God Bless America

                                                  God Bless America

   Seguimos repasando algunas de las películas que mas han llamado nuestra atención a lo largo de este último Festival Internacional de Cine de Gijón. En este caso se trata de una de las cintas participantes en la sección Géneros Mutantes.
   "God Bless America" es una comedia "muy" negra dirigida en 2011 por Bobcat Goldthway, un polifacético personaje (actúa, dirige, compone, dobla y escribe) conocido por su papel de "Zed" en varias de las entregas de "Loca Academia de Policía" .


   Frank (Joel Murray) es un hombre al que la vida se empeña en maltratar con unos vecinos molestos, un  trabajo en un cubículo rodeado de cretinos, una exmujer que malcría a su hija y fuertes migrañas que le aquejan y obligan a pasar las noches imsomne frente al televisor "zapeando" todo tipo de "telebasura", que incluye un programa de "talentos" llamado             "American Superstarz", donde se ridiculiza a un participante que sufre una discapacidad mental. Para colmo Frank posee "cerebro", lo que le hace totalmente consciente del mundo que le rodea.

   Un día Frank es despedido acusado de acosar a una compañera de trabajo con la que tan sólo pretendía ser amable y su indiferente médico le diagnostica un tumor cerebral terminal. Su primer impulso es acabar con su miserable vida, pero viendo un reality protagonizado por una consentida y exasperante niña, decide hacer una última "buena acción" antes de morir y acabar con la vida de Chloe, que así se llama . Mientras comete dicho asesinato, Frank contará con una observadora de excepción, Roxy (Tara Lynne Barr), una compañera de escuela de la víctima que aplaudirá su hazaña y que con gran entusiasmo le instará a seguir en el "buen camino", librando al mundo de "gente tóxica". Así, juntos comienzan un viaje en coche, pistola en mano, con la intención de liberar a la humanidad de fans de "Crepúsculo", actores de "Glee", "Diablos Codys", homófobos, pederastas, fanáticos políticos conservadores y toda una "troupe" de indeseables.

    En un tono entre la comedia y el thiller, discurre esta película llena de referencias y críticas a la cultura "Pop" estadounidense, que por otra parte, bien se podría extrapolar a la española; cambiemos "Chloe" por " Belén Esteban" y "American Superstarz" por "Gran Hermano", "Operación Triunfo", "Tú si que vales" o "Sálvame" y "voila". 

"¿Por qué tener una civilización si ya no estamos interesados en ser civilizados?"

  Con una estructura y un montaje totalmente clásicos para una película de tintes claramente alternativos,"God Bless America" se impone como una respuesta original e incisiva a la sociedad actual. El guión viene de la mano del propio director y se encuentra plagado de potentes  monólogos cargados de ironía y raciocinio que nos llevan verdaderamente al terreno de los protagonistas, llegando a caricaturizar y a justificar algo que en si mismo es un acto tan reprochable como un asesinato. Así, le perdonamos pequeñas y grandes incongruencias en el desarrollo del film que chirrían bastante, sobre todo cuando nos acercamos al final.

   Una fantástica banda sonora, obra original del compositor Matt Kollar, contribuye a la cordura e ingenuidad de la que en ningún momento adolece el film. Para todo lo demás la cinta está plagada de temas del cantante Alice Cooper del que Roxy se confiesa profesa admiradora, así como temas tan distintos como "Let´s Get Away for It all"de Rosemary Cloney (para quienes no lo sepan, comentar como curiosidad que se trata de la tía del archiconocido "George" y cuya música adoro), "I´m Not Like Everybody Else" interpretada por The Kinks y también por The Chocolate Watchband, "Beat the Devil´s Tatoo" de Black Rebel Motorcycle Club  o "It´s Oh So Quiet" de Betty Hutton.


  Una extraña pareja a lo "Bonnie & Clyde" a los que director nos presenta como héroes. Sin embargo a medida que avanza el film, llama la atención cómo no duda en ir despojándolos de esos valientes atributos, dejando ver el lado débil y humano de cada uno de ellos y demostrando valores o la falta de ellos, por los que sin embargo ambos están dispuestos a matar. 

   La solvencia con la que ambos actores se desenvuelven en sus papeles  aporta al largometraje un punto tragicómico muy especial y que nos hace oscilar entre la sonora carcajada y la profunda reflexión. La frescura y jovialidad que Tara Lynne Barr infunde a Roxy se equipara a la perfección con la madurez y sobriedad de Frank, ambas personalidades se fundirán finalmente en un apoteósico final.

  Podemos encontrarla editada en DVD y BluRay , así que no perdáis la oportunidad de verla, a buen seguro os hará pasar un buen rato.


                                                                                                          Carlota García Fernández.

   

INHERITANCE

                                 
                                                            Inheritance

   Como ya sabéis todos los que seguís habitualmente este blog, desde el pasado viernes, quienes suscriben el mismo, se encuentran enfrascados en desarrollo del 50 Festival Internacional de Cine de Gijón.
  Durante estos días, hemos podido ver multitud de películas, de las cuales os hemos ido dando buena cuenta vía Facebook de forma escueta y via blog deteniéndonos en aquellas que nos han parecido mas reseñables.
   Así, hoy nos gustaría hablar de una de esas película que nos han dejado más que encantados. Se trata de una producción conjunta entre Francia, Israel y Turquía dirigida en 2012 por Hiam Abbass.

   Lo primero que quisiera destacar, es la encomiable labor de Hiam Abbass, quien siendo su primer largometraje, no sólo dirige sino que además coguioniza y protagoniza el film de forma excepcional. Conocíamos desde hacía tiempo su labor como actriz en películas tan populares como "Babel" (2006) de Alejandro González Iñárritu o en otras menos conocidas como "The Visitor"(2007) de Thomas McCarthy, que dicho sea de paso nos encanta. Así pue, no quisimos dejar escapar la ocasión de ir a ver su ópera prima y por supuesto el resultado no nos defraudó, siendo ésta una magnífica película.

   El film cuenta la historia de una familia Palestina que vive en medio de una doble guerra, la que se desarrolla en el Israel que habitan y la propia surgida en el seno de sus integrantes.
    
   Abu Majda ( Makram Thoury) es el viudo padre de cinco hijos, cada uno de ellos lleva su propia vida con un día a día marcado por sus propios problemas: un político con una vida personal basada en el hastío y el engaño; un empresario arruinado; una mujer casada con un taxista sin trabajo, un médico estéril y una joven estudiante. Ésta última, Hajar (Hafsia Herzi) regresa del extranjero para reunirse con el resto de la familia con motivo de la boda de su sobrina. Hajar se ha enamorado de un joven británico, lo cual crea el rechazo de toda su familia y hace que surjan innumerables problemas con sus hermanos que se unen a los propios de cada uno de ellos y a la propia guerra que se desarrolla en el país.

   Cada una de las familia luchará por superar las adversidades con un punto en común, mantener la dignidad y las apariencias que la tradición y su cultura les exigen. Pero Hajar, se revela a anteponer las obligaciones sociales a su felicidad y así comienza una lucha interna en la que habrá que decidir sobre que camino tomar.

   Una película con numerosos personajes perfectamente construidos e interpretados que dan forma a una ferrea historia que nos muestra como la vida sigue y evoluciona incluso en el seno de de un desastre bélico, de como el legado cultural llega a influir en el devenir de las personas y de como la razón, por suerte, se impone sobre todas las cosas.

   Como única pega decir que el montaje no esté del todo bien asentado, lo que hace que en ocasiones, sobre todo al principio, la amalgama de personajes sea difícil de reconocer.
   Por lo demás una fantástica producción de 88 minutos que nos deja un buen sabor de boca a la espera de futuras obras de esta directora.
   

   
   
                                                                                                Carlota García Fernández.
     
   
  
   

The sessions

The sessions

Es ésta, sin duda, una película especial, con una historia emotiva contada con mucha gracia y con unos personajes principales, a los que todos quisiéramos tener como amigos y compañeros en nuestras propias vidas.

Tras su triunfal paso por los festivales de Sundance (premio del público a la mejor película y premio al mejor reparto) y San Sebastián (Premio del público), pudimos ver esta película el pasado día 17 de Noviembre en el Festival Internacional de Cine de Gijón. Se emitió dentro del ciclo Esbilla (lo mejor de otros festivales) en una sala abarrotada por más de 300 personas en un único pase.

El argumento, basado en una historia real, es el siguiente: Mark O´Brien (John Hawkes) es un escritor y poeta el cual está enfermo de polio desde los ocho años. Esto hace que tenga que estar anclado a un pulmón de acero la mayor parte del día y que lo único que pueda mover de su cuerpo sea la cabeza. Debido a su incapacidad le encargan escribir un reportaje sobre el sexo en las personas discapacitadas, y es debido a ello, que se da cuenta que el resto de personas discapacitadas disfrutan de una vida sexual, mientras que él a sus treinta y seis años no lo ha probado en su vida. Por ello, como católico convencido, le pide consejo a su párroco el Padre Brendan (William H. Macy) el cual, pese a un recelo inicial, acabará apoyando a su feligrés más especial. Para conseguir su cometido Mark se pondrá en contacto con Cheryl (Helen Hunt), una profesional especializada en este tipo de cometidos. Sin embargo las cosas no van a resultar fáciles para ninguno de los dos.

No resulta fácil explicar la magia de la película, quizá ésta sea el mostrarnos una temática inusual como es el sexo de los discapacitados, bajo una historia trágica, pero a la vez romántica y con un tono humorístico sensacional. A ello hay que sumar unos personajes de los que se visten por los pies, interpretados por un elenco en estado de gracia y unos diálogos afilados como en los mejores tiempos del screwball.

Centrándonos en el reparto hay que decir que el mayor mérito se lo lleva John Hawkes como protagonista del film, el cual le da una gran personalidad a este Mark O´Brien que es un prodigio de simpatía, a pesar de su situación y que nos da mucho en que pensar una vez salimos de la sala. Al lado de John Hawkes hay que poner a una Helen Hunt a la que echábamos mucho de menos verla en un papel de carácter como es esta Cheryl que nos muestra a una mujer con las cosas muy claras y que sin embargo se verá sorprendida por la maravillosa personalidad de su cliente. Junto a ellos está el actor americano roba escenas por excelencia del cine actual, el señor William H.Macy, el cual nos vuelve a mostrar su talento para crear personajes simpáticos para el público. Sin embargo no sólo los tres actores principales están estupendos, sino que los secundarios que forman la cuadrilla de enfermeros de Mark O´Brien destacan igualmente. Sobre ellos yo destacaría la labor de Moon Bloodgood, en el papel de Vera, ya que aguanta perfectamente el tipo rodeada de los tres actores principales, lo cual no es fácil ni mucho menos.

El director es el Norteamericano Ben Levin, el cual es el encargado también del maravilloso guión de la película. Si bien su labor como director no es especialmente resaltable (salvo por la dirección de actores), su labor como guionista en este film es de los que merecen premios, siendo una de las razones por la que esta película es del agrado del gran público. En este guión destacan (como ya mencioné anteriormente) los diálogos, cargados de humor y de réplicas acertadísimas entre los personajes.

Así mismo es una gozada ver como se intercalan momentos que son claramente de ficción cinematográfica,con aspectos reales de la vida de Mark O´Brien, como sus graves problemas de salud o los poemas que iba escribiendo según iba avanzando en su objetivo de llegar a la madurez sexual.

Para acabar, creo que es una película altamente recomendable para todo el mundo, especialmente para aquellos que tengan a su cargo a una persona joven con algún tipo de discapacidad física. 

En España tiene previsto estrenarse en salas comerciales el día 21 de Diciembre, esperemos que llegue a todas las provincias y no se quede únicamente en un estreno en las cuatro principales ciudades.

Gabriel  Menéndez Piñera

Beyond the hills

Beyond the hills

El 50 Festival Internacional de Cine de Gijón se inauguró el 16 de Noviembre de 2012 con esta película Rumana, la cual ya obtuvo en el pasado Festival de Cannes el premio al mejor guión y a la mejor actriz ex-aequo para sus dos protagonistas. El título original de la misma es "Dupa Dealuri"

El argumento es el siguiente, Voichita es una joven monja que vive en una comunidad ortodoxa rumana muy estricta y que recibe la visita de Alina, su mejor amiga, que viene desde Alemania con la intención de que se vaya a vivir con ella. Sin embargo, Voichita no está dispuesta a abandonar la vida que lleva y con la que ha encontrado el hogar que ninguna de los dos tuvo.

Voichita está interpretada por la actriz Cosmina Stratan, el papel de Alina lo realiza Cristina Flutur y el del sacerdote de la congregación por el actor Valeriu Andriuta. Todos ellos están a un gran nivel en sus respectivos papeles, complicados todos ellos, dando gran parte del crudo realismo que tiene la película.

El director de la cinta es el rumano Cristian Mungiu, el cual con su anterior película "4 meses, 3 semanas y 2 días" ("4 luni, 3 saptamini si 2 zile", 2007) nos había cautivado con el relato de dos jóvenes que, en la Rumanía comunista buscan a alguien que le practique un aborto a una de ellas. Sin embargo, en esta ocasión, no nos ha acabado de llegar la película, debido quizás a su tramo intermedio, demasiado largo, farragoso y repetitivo. La película en general está bien, es seca, directa, cruda y sin ningún respiro para el espectador. Pero es demasiado larga, le sobran unos 20 minutos de esa zona intermedia en el que el director se explaya demasiado mostrándonos la vida (si a eso se le puede llamar vida) en la comunidad ortodoxa y como va transformándose la relación entre las dos amigas.

El guión es del propio director, el cual adapta una novela de Tatiana Niculescu que  está basada en hechos reales. Quizá por eso el director rueda la película con un tono documental en el que la cámara no se mueve en los planos generales de interior, y cuando sigue a un personaje por el exterior, lo hace cámara en mano como si fuese un reportero de televisión cubriendo un reportaje. 

La película nos habla de como la amistad y el amor entre dos personas se ve alterado por circunstancias ajenas a él, como la religión o la necesidad de verse aceptado en un grupo cerrado. Al final, muchas veces, estas circunstancias son tan fuertes que acaban con cualquier cosa que se les ponga por delante. Es importante resaltar que las dos mujeres protagonistas nunca han tenido familia, hogar ni nada que se le parezca.

Un aspecto interesante es el hecho de mostrarnos como viven esas comunidades ortodoxas radicales en Rumanía y su estricta forma de vivir la religión, de forma que para ellos prácticamente cualquier cosa es pecado.

La fotografía es de Oleg Mutu, en la cual predominan los tonos grises en las escenas en el exterior acorde con el tono de la película y de las situaciones que se nos muestran en la misma. Sin embargo en las escenas de interior la luz se hace más viva y cálida resaltándonos la seguridad que da el vivir dentro de los muros de la comunidad religiosa, a pesar de la rigidez de su forma de vida.

En definitiva, es una buena película, la cual podía haber sido bastante mejor si se hubiese recortado parte de su largo metraje (dura 150 minutos). 

Para los que estéis interesados en verla, se proyecta hoy sábado 17 a las 22.00 en los Cines Centro y el lunes 19 a las 20.00 en Gijón Sur.

Gabriel Menéndez Piñera

El nombre

El nombre

El pasado 14 de Septiembre de 2012 se estrenó en España la película francesa "El nombre" (Le prénom), la cual tuve oportunidad de ver, casi dos meses después de su estreno, en uno de mis viajes a Salamanca. Se trata de una adaptación de la obra de teatro del mismo título y que se inscribe en una larga tradición de comedias teatrales francesas, algunas de las cuales fueron llevadas con mucho éxito a la gran pantalla. El último ejemplo de un gran éxito de este tipo de películas fue "La cena de los idiotas" (Le diner de coms, 1998), la cual tuvo su particular (y nefasta, como casi siempre) versión Hollywoodiense.

El argumento es el siguiente, en un piso de París se reúnen para cenar cinco personas: el matrimonio que ejerce de anfitrión (Elisabeth y Pierre), el hermano de la esposa (Vincent), su mujer (Anna) y un amigo íntimo de todos ellos (Claude), el cual está soltero. Lo que pormetía ser una velada agradable se convierte, por culpa de una inocente broma, en una tormenta perfecta en la que se dicen cosas que siempre habían pensado, pero que nunca se habían atrevido a pronunciar y en la que se revelan secretos guardados durante muchos años.

El reparto se puede decir que está encabezado por el actor, cantante, compositor y jugador de poker profesional Patrick Bruel, ya que su personaje (Vincent) ejerce de narrador y es el que origina todo lo que sucede en la casa. el resto del reparto lo componen Valerie Benquiqui como Elisabeth, Charles Berling (un habitual del cine del director francés Olivier Assayas) como Pierre, Judith El Zein como Anna y un excelente Gullaume de Tonquedec como Claude. El trabajo de todos ellos es en general muy bueno, aunque tanto Patrick Bruel como Valerie Benquiqui tienen momentos dentro de la discusión en que pecan de sobreactuación, pero no es un fallo que desmerezca la gran actuación general del resto, en el que nuevamente destaco el personaje interpretado por Guillaume de Tonquedec, todo un prodigio de contención a pesar de tener en muchas ocasiones que lidiar con largos primeros planos.

Los directores de esta comedia son los mismos que la llevaron al teatro, Alexandre de la Patelliere y Mathieu Delaporte, siendo éste último además el autor de la obra de teatro y del guión para la gran pantalla, siendo ésta su primera obra cinematográfica. En este tipo de películas lo principal es el guión y el trabajo de los actores, por lo que su labor de dirección técnica no es nada del otro mundo, sin embargo si hacen un gran trabajo en la estructura del guión, diseminando las diferente sorpresas que se van sucediendo en la trama con una precisión casi milimétrica.

Los temas que salen a relucir durante la velada son tan variados como típicos de estas situaciones: familia, amistad, ideas políticas, gustos culturales, diferentes maneras de afrontar la vida, manías personales, etc. Todos estos temas y el sarcasmo y la ironía con que son tratados, recuerdan a alguna de las grandes películas de Woody Allen.

Si hay algo que nos quiere mostrar la película es que hay que tener cuidado con las bromas que se gastan, ya que la bromita más insignificante, si se estira demasiado tiempo, puede expandirse y dar lugar a un tsunami de emociones cuyas consecuencias pueden ser incontrolables.

En definitiva, creo que es una película bastante divertida, con muchas referencias a la cultura francesa y a sus tabúes personales, con la que se pasa un buen rato observando las discusiones de estos cinco personajes que, debido a la estrecha relación que tienen entre ellos, no pueden mandarse a paseo a las primeras de cambio y dar por zanjada la discusión. Esto hace que la trifulca se alargue y sus efectos se vayan multiplicando exponencialmente a lo largo de la noche.

Gabriel Menéndez Piñera

Argo

Argo

Esta película es una de las sorpresas más agradables con las que me he topado últimamente en una sala de cine. Las razones son las siguientes, tiene muchas de las cosas buenas del cine que viene de los U.S.A., es decir, es una producción potente, muy bien ambientada y muy entretenida. Así mismo, tiene otros aspectos que no son habituales en este tipo de cine, es realista (en su mayor parte), concede importancia a los diálogos, las escenas de acción espectaculares brillan por su ausencia y, lo que es más importante, no tiene giros argumentales al final de la película de los que tantísimo se abusa en el cine americano actual.

Se trata de un thriller político con un argumento basado en un hecho real que acaeció en Irán en 1979. En ese año los seguidores del Ayatollah Jomeini entraron en la embajada americana en Teherán secuestrando a todos los funcionarios de dicha embajada, los cuales estuvieron en dicha situación varios meses. Sin embargo seis de ellos lograron escapar y se refugiaron en la casa del embajador canadiense sin poder salir de ella, ya que si los veían por la calle estaban perdidos. Por ello la C.I.A. prepara una misión casi suicida y absolutamente rocambolesca. Dicha misión consiste en mandar a uno de sus agentes Tony Mendez (Ben Affleck) como si fuera un productor de cine de Hollywood,que junto con otras seis americanos (los escondidos) pretende rodar una película de ciencia ficción llamada "Argo" por lo que necesita estudiar localizaciones tales como el desierto o el mercado de Teherán.

El reparto lo encabeza el propio director Ben Affleck como Tony Mendez, el agente de la C.I.A. encargado de llevar a cabo la rocambolesca misión. En ella le ayudará, desde Hollywood, John Goodman dando vida a un personaje real, John Chambers el cual era un maquillador muy conocido en la época por haber creado las máscaras de "El planeta de los simios" ("Planet of the Apes" Franklin J. Schaffner, 1968) y de sus correspondientes secuelas. Otro personaje (esta vez ficticio) que ayudará al agente de la C.I.A. será Lester Siegel, encarnado por Alan Arkin, el cual es un productor de cine venido a menos. Otros secundarios son Bryan Cranston, que interpreta al jefe de Tony Mendez y Victor Gamber, que se mete en la piel del embajador canadiense que acoge a los seis americanos huidos.

Se trata de la tercera película dirigida por el también actor Ben Affleck tras sus anteriores "Adiós pequña adiós" (Gone, baby gone, 2007) y "The town, ciudad de ladrones" (The town, 2010). Y si en sus dos anteriores películas el amigo Affleck ya mostraba maneras de buen director, esta puede ser su película de consagración en ese aspecto, cosa que, me temo, nunca conseguirá como actor.

Sus dos primeras películas estaban en general bien dirigidas, aunque adolecián de muchos de los fallos de las películas americanas actuales, es decir, un exceso de efectismo y de querer quedar bien con la mayor parte de la audiencia usando para ello giros argumentales inexplicables y escenas de acción que no venían a cuento. Sin embargo Argo es una película sencilla, realmente bien ambientada, con un ritmo que no decae en ningún momento y en la que no hay una sóla escena de acción en todo su metraje. Pese a ello se trata de una película que te mantiene en tensión todo el rato y en la que realmente te crees todo lo que te cuentan (a pesar de que el climax final es inventado), por esa mezcla de thriller y documental que nos presenta Affleck ante nuestros ojos.

El guión está firmado por John Terrio y es uno de los aciertos de la película, ya que las escenas con muchos diálogos como las reuniones de la C.I.A., o las que tienen lugar en casa del embajador canadiense están muy bien conseguidas y no hacen bajar el ritmo de la película. Así mismo, hay otros diálogos muy interesantes, algunos muy divertidos, como los que se producen entre los diferentes personajes de Hollywood a la hora de crear la cortina de humo para la misión, es decir, la película de ciencia ficción. En estos diálogos hay una crítica nada sutil a Hollywood y su falsedad, tanto dentro como fuera de la pantalla.

Como ya he comentado antes, la ambientación está realmente lograda, dando la impresión de estar viendo imágenes de principio de los años 80. De ello tiene gran parte de mérito el encargado de la fotografía Rodrigo Prieto, el cual usa mucho grano en la exposición de las imágenes dando esa impresión de película antigua. En este aspecto también hay un detalle curioso, al principio de la película en vez de aparecer el actual logotipo metálico de la Warner, aparece el logotipo pequeño en color negro sobre fondo rojo que aparecía en las películas de finales de los 70 y principios de los 80 (por ejemplo, en las cintas de Clint Eastwood de esa época). Se trata de otra manera de meter al espectador en el momento temporal en que sucedieron los hechos que nos relatan a continuación.

Sin duda esta pelicula nos recuerda a aquellos thrillers políticos de los años 70 del pasado siglo como fueron: "Los tres días del Condor" ("Three days of Condor" Sydney Pollack, 1975) o "Todos los hombres del presidente" ("All the presidents men" Allan J. Pakula, 1976). Incluso se nota la mano de Sidney Lumet en la forma casi documental de rodar,sin perder la tensión en ningún momento, como hizo el maestro en su película sobre la corrupción policial de 1973 "Sepico" o en esa otra gran película de esa época que fue "Tarde de perros" (Dog day afternoon, 1975) amabas protagonizadas por Al Pacino.

En definitiva, opino que Argo es una muy buena película, en especial para el público adulto, no exenta de emoción, pero tratando al espectador en todo momento como si fuera una persona inteligente a la que no hay que marear con fuegos artificiales cada 15 minutos.

Gabriel Menéndez Piñera



Fantasía

                                         

                                                   
                                                             FANTASÍA

      
    Como anunciamos en la presentación de nuestro blog, en "Historias del Celuloide" hay cabida para todo tipo de cine y así, hoy le llega el turno a la animación.
   "Fantasía" es el cuarto largometraje producido por los estudios Disney en 1940. Un singular film experimental que fusiona de forma magistral la música clásica y la animación, siendo además uno de los primeros de su género destinado a un público adulto.

    Al inicio de la película se muestra, como si de unas "sombras chinescas" se tratase, a los músicos que componen la orquesta sinfónica de Filadelfia dirigida por Leopold Stokowski colocándose en el escenario. A continuación son presentados por Deems Taylor quien nos explica la peculiar película ante la que nos encontramos y nos presenta cada pieza.

    "Fantasía" se compone de 7  secuencias, en las que diferentes artistas nos muestran las imágenes, dibujos o narraciones que les evocan ocho populares composiciones musicales.

   1) "Tocata y fuga en re menor" de Johann Sebastian Bach . Dirigida por Samuel Amstrong.
Las formas abstractas son las protagonistas de este fragmento. Fueron creadas con la ayuda de de un cineasta vanguardista alemán , Oskar Fischinger y en ellas se ve la clara influencia de la obra de Kandinsky.
         
   2) "El Cascanueces" de Peter Ilich Tchaikovski. Dirigida, al igual que la anterior,
por Samuel Amstrong. Para este fragmento se volverá a contar con Fischinger. Sin embargo éste abandonará el proyecto tras llevarse a acabo esta secuencia en la que la suite se acompaña por bailes de hadas y setas, por considerar que ésta "superaba la barrera de la cursilería".

   3) "El aprendiz de brujo"de Paul Dukas. Dirigida por James Algar. Se trata de la secuencia mas conocida y está protagonizada por el mas representativo personaje del repertorio Disney, el ratón Mickey y donde se vislumbra la capacidad de Disney para dar vida a cualquier objeto inanimado como ocurre con las escobas.
   En este caso se basa en el poema sinfónico creado por Dukas e inspirado en la obra homónima de Goethe. Mickey Mouse es un aprendiz de brujería que aprovecha la ausencia de su maestro (Yen Sid,  o lo que es lo mismo "Disney" escrito al reves) para dar vida a una escoba y que ésta acarree con pesados cubos de agua, tarea con la que él ha sido encomendado. Una vez conseguido su objetivo, se queda dormido. Al despertarse descubre que mientras, la escoba ha continuado trayendo agua hasta inundar la casa y todos sus esfuerzos por detenerla no harán mas que empeorar las cosas. Por fortuna, cuando Mickey se encuentra al borde de la desesperación, su maestro aparece poniendo fin a la tragedia.
   

  4)  "La consagración de la primavera" de Igor Stravinski. Dirigida por Bill Roberts y Paul Satterfield.
  En este fragmento se relata la aparición de la vida sobre la tierra y así se dibuja la creación de las primeras partículas, la vida en los océanos, la evolución de los anfibios y la era de los dinosaurios hasta que estos desaparecen y surgen las montañas.

  5) "La sexta sinfonía" de Ludwig Van Beethoven. Dirigida por Hamilton Luske, Jim Handley y Ford Beebe.
    Con la conocida "Pastoral" como telón de fondo, se nos presenta la vida en el Monte Olimpo con la presencia de gran parte de sus dioses y personajes mitológicos, tales como Zeus, Baco, Diana, centauros, pegasos o unicornios.

  6) "La danza de las horas" de Amilchare Ponchielli. Dirigida por T.Hee y Norman Ferguson.
       Una serie de singulares bailarines tales como avestruces, hipopótamos o elefantes representan los diferentes momentos del día, el alba, el mediodía, el aterdecer y la llegada de la noche.

  7) "Una noche en el Monte Pelado" de Modest Moussorgski y "Ave María"de Franz Shubert. Dirigida por Wilfred Jackson.
   En la primera de las piezas se muestra a Satanás orquestando un aquelarre de brujos y espectros que se ve truncada con la entrada de la segunda de las piezas con la que se muestra el triunfo de la esperanza y con la que se pone fin a la película.


    Un arriesgado trabajo de dos horas de duración que supuso un tremendo fracaso debido a que los amantes de la música clásica la consideraron un ultraje y el gran público la consideró demasiado complicada. Un proyecto que existía en la mente de Disney desde 1929 y que trataba de mostrar además los últimos avances en las técnicas de animación y sonido, pero que realmente no fué llevado a cabo tal y como se pretendía hasta el año 1999 con "Fantasía 2000".




Tanto "Fantasía" como "Fantasía 2000" pueden ser encontradas en formato DVD y Bluray. En ambos formatos se encuentran diversos extras entre los que considero más que oportuno destacar una pequeña joya que podemos encontrar en esa "edición 2000". Se trata de un pequeño corto surgido de la colaboración del mismísimo Salvador Dalí con el propio Walt Disney en 1946; un proyecto de 6 minutos de duración que ponía imágenes a la canción del mismo nombre del mexicano Armando Dominguez. Aunque en su momento la idea no llegó a materializarse en 2003 Roy Disney y el productor Baker Bloodworth decidieron llevarla a cabo siguiendo los bocetos conservados del pintor surrealista. El resultado es ,como no podía ser de otra forma, espectacular y digno de ser visto por cualquier amante de las artes y la cultura al igual que la propia "Fantasía".

                                                                                 Carlota García Fernández.

Deseando Amar (In the mood for love)

Deseando amar (In the mood for love)

Comenzábamos un nuevo siglo (y milenio) allá por el año 2000 y alguién desde el lejano oriente nos vino a alegrar este primer año de una nueva era con una película realmente especial. Ese alguien, era el director hongkonés (aunque nacido en Shangai) Wong Kar-Wai y la película era "Deseando amar" (In the mood for love).

Es difícil describir con palabras la belleza de esta película en particular. Se trata de  una película de miradas que hablan, de detalles que van haciendo avanzar la trama, de música que te pone un nudo en la garganta, de imágenes en camara lenta que te reconcilian con la vida. Es, sencillamente, una grandiosa película.

El argumento es el siguiente: en el Hong-Kong de 1962 dos matrimonios (los señores Chow y los señores Chan) se van a vivir uno al lado del otro en apartamentos en los que se alquilan habitaciones. A las pocas semanas, el señor Chow y la señora Chan se dan cuenta que sus respectivas parejas son amantes el uno del otro. Por ello, se empiezan a ver a la salida del trabajo para reconfortarse mutuamente, naciendo una relación muy especial entre ellos.

Los actores principales son Maggie Cheung, en el papel de la señora Chan y Tony Leung, en el papel del señor Chow. Ambos actores llevaban trabajando con Wong Kar-Way desde 1991, especialmente Tony Leung que ha protagonizado casi todas las películas de este director.

El guión es del propio director, y en él se aprecian los recuerdos de su infancia, especialmente en las diferentes canciones que aparecen durante el metraje, así como la referencia, que se hace varias veces durante la película de haber ido al cine, cosa que Wong Kar-Wai hacía con asiduidad durante su infancia, la cual coincide con la época en que esta ambientada la trama.

El trabajo del director es realmente majestuoso, especialmente en algunos aspectos. La colocación de la cámara en las tomas en las que ésta se mantiene fija es practicamente perfecta, y siempre dando la impresión al espectador de que estamos escondidos detrás de algo viendo lo que sucede en pantalla, para ello coloca algún objeto en primer plano a un lado de la misma, que pudiese servir para ocultar al que estuviese observando las diferentes escenas. En las tomas en las que la cámara se mueve, ésta se desplaza lentamente a lo largo de  los diferentes encuadres de una forma no lineal, dando una estilización excepcional a ésta magnífica obra. Esto destaca especialmente en las tomas que se producen a cámara lenta, acompañadas por la pieza "Yumeji´s theme" de Shigeri Umebayashi, las cuales van separando la narración en diferentes tramos.

Otras grandes películas de Wong Kar-Way son : "Days of being wild" (1991), "Chunking Express" (1994), "Happy together" (1997), "2046" (2004) y "My blueberry nights" (2007). Precisamente esta película formaría una especie de trilogía con "Days of being wild" y "2046".

Precisamente es la música otro de los apartados más destacados. El tema principal de la banda sonora es el que me acabo de referir en el párrafo anterior, el cual es una adaptación de un tema que salía en la película "Yumeji" dirigida por Seijun Suzuki. También aparecen tres composiciones de Michael Galasso: "Angkor Wat theme", "ITMFL" y "Casanova / flute" y así mismo suenan durante la película tres canciones interpretadas en español por Nat King Cole: "Aquellos ojos verdes", "Te quiero, dijiste" y "Quizás, quizás, quizás".

Pero la música también está relacionada con el título de la película en sus diferentes idiomas, ya que el título original en chino es "Dut yeung nin wa", el cual es el tíulo de una canción china que aparecía en una película de dicho país de 1946. Así mismo el título en inglés "In the mood for love", proviene de una canción de Bryan Ferry, la cual iba en un principio a aparecer en el film, llegando a sonar en el primer trailer que se hizo. Sin embargo finalmente se descartó la utilización de está canción en la banda sonora, aunque sí quedó como título en inglés.

La dirección artística estuvo a cargo de Christopher Doyle y de Ping Bing Lee, los cuales lograron escenas de una belleza monumental y que, junto al trabajo del director, hacen que esta obra tenga momentos de una perfección formal y técnica absoluta.

Otro de los aspectos que más destacan, es el del vestuario femenino. La relación de trajes con los que aparece Maggie Cheung en la película levanta admiración en todas las personas que conozco que han podido disfrutar de ella. Trajes estampados, con un colorido excepcional y muy entallados, que realmente llaman la atención al espectador (y yo me considero un absoluto y total ignorante en cuanto a la moda femenina, esta parte debería escribirla mi compañera Carla).

Uno de los detalles más originales de la película es el hecho de que a los dos cónyuges de los protagonistas nunca se les ve la cara, apareciendo siempre de espaldas a la cámara o manteniendo diálogos con los otros actores fuera de plano. Esto hace que nuestra afinidad con los protagonistas sea aún mayor, ya que al ocultársenos el rostro de estos dos personajes tan importantes para la trama, nos pongamos más en situación de sentir afinidad por las personas que han sido engañadas por sus parejas respectivas.

Quiero acabar esta reseña con otro dato, en la encuesta que la revista "Sight and sound" realizó este año 2012 para saber cuales eran las mejores películas de la historia quedó en el puesto número 24, siendo éste,  el mejor conseguido por una película de la década del 2000 al 2010.

En cuanto a la posibilidad de adquirir la película, ahora mismo es bastante difícil, ya que la edición en dvd está descatalogada en España y de momento no hay fecha de lanzamiento para el Blu-ray. De todas formas hay una edición internacional (con doblaje y subtítulos en español) que se puede conseguir por internet.

En definitiva, se trata de una grandísima película (en mi opinión, la mejor de este siglo XXI) que tiene múltiples lecturas que se van añadiendo con cada nuevo visionado, y que como dijo un famoso crítico de cine español (sí, ese que estáis pensando) en su momento: "preciosa película, maravillosa...la historia de amor más triste del mundo".

Gabriel Menéndez Piñera