domingo, 30 de diciembre de 2012

The Visitor



                                   
                                                            The Visitor

  "The Visitor" es una película escrita y dirigida en 2007 por Thomas Mc Carthy, al que ya habíamos visto como actor cuando hablamos de "Mammoth" de Lukas Moodysson.
Si ya en su primera película "Vías Cruzadas" ("The Station Agent",2003), sorprendía a público y crítica, en esta segunda continúa con su buen hacer cinematográfico.


   Walter (Richard Jenkins) es un maduro profesor universitario que tras enviudar vive entre la frustración y la indiferencia por todo lo que le rodea.
   Un día, es enviado desde Connecticut, lugar en el que reside, a Nueva York a impartir una conferencia. Allí posee un piso al que no acude desde hace años y donde se dispone a pasar los días en los que ha de estar allí. Al llegar, descubre que una joven pareja de inmigrantes ilegales se ha instalado en el como resultado de un fraudulento alquiler. Tras un malentendido inicial, la pareja resuelve irse. Al contemplarles marchando sin un techo bajo el que quedarse, Walter va tras ellos y les ofrece quedarse unos días hasta que encuentren otro lugar en el que vivir.

  Zainab (Danai Jekesai Guira) es una artesana senegalesa y Tarek (Haaz Sleiman) es un músico sirio que toca el djembé. Aunque la relación entre Walter y Zainab se muestra fría, pronto iniciará una estrecha relación de amistad con Tarek . Con ellos Walter retoma interés por el contacto humano que había perdido hacía años y que incluso le lleva a iniciarse en la práctica del djembé.  Pero debido a un malentendido al tomar el metro, Tarek es detenido y seguidamente encarcelado por no poseer la residencia estadounidense. 
   Pocos días después, Mouna (Hiam Abbass), la madre de éste, preocupada por la falta de noticias de su hijo, se presenta en Nueva York en su busca. Al saber de su detención se instala en casa de Walter para juntos intentar liberarlo.



  "The Visitor" es una de esas películas que desnudan el alma humana de cada personaje para mostrarnos sin tapujos el interior de cada uno. Una historia sobre la inmigración y las injustas leyes de extranjería que hacen que tantas veces se trate a personas normales como si fuesen criminales. McCarthy crea una particular película enfocada a mostrarnos la ignorancia hacia la culturas extranjeras y la falsa compasión y empatía de la que vivimos rodeados.  

  Una historia de ciento cuatro minutos, rodada con una sencillez y sinceridad apabullantes, con tan sólo los diálogos necesarios y sin estridencias dramáticas.

      -Yo sólo quiero hacer mi vida y tocar música, ¿que hay de malo en eso?.-





  Para ello cuenta con las brillantísimas labores actorales de todo el reparto entre las que destacan las de Richard Jenkins y Hiam Abbass.
  Richard Jenkins, cuyo papel de Walter le valió la nominación al Oscar al mejor actor,interpreta majestuosamente a un hombre serio y desgraciado al que la vida ofrece una nueva oportunidad. Así, a lo largo del film, le vemos salir lentamente de su letargo existencial para integrarse e implicarse con Tarek y su familia. 
  Por otra parte, no hace mucho que habíamos hablado de Hiam Abbas como directora y actriz de "Inheritance". Éste es sin duda otro buen ejemplo de su trabajo interpretativo, en un papel que rebosa sensibilidad y realismo.

  
   La banda sonora es creada para el film por Jan A.P. Kaczmarek y cuenta además con temas del nigeriano Fela Kuti como "Open and close" y " Don`t gag me". La música juega además un papel protagonista como vía de escape a los sentimientos contenidos y como forma de liberación a las normas que un mundo aparentemente civilizado nos impone.






   Una película totalmente recomendable para estas fechas aunque nada tenga que ver con ellas. Me explico: sin duda hay grandes películas enmarcadas en el ámbito navideño y que a menudo explotan valores morales tan encomiables como la compasión , la generosidad, la bondad, etc. a golpe de manidos recursos sensibleros que hacen que durante un par de horas nos sintamos como angelitos, sin que en el fondo aporten reflexión sustancial alguna sobre lo que realmente nos rodea. En "The Visitor" no hay nieve, ni árboles, ni personajes imaginarios que nos conmuevan falsamente; lo que si hay es una buena dosis de una realidad, esa que hay que meterse (en ésta o en cualquier otra época del año) en la cabeza. A ver si nos enteramos de una vez que todos somos iguales y que todos hemos de tener las mismas oportunidades y derechos.

  Podemos encontrarla en edición DVD con sus extras correspondientes que incluyen un original tutorial de cómo tocar el djembé.

                                                              Carlota García Fernández.


jueves, 27 de diciembre de 2012

Recuerdo de una noche

Recuerdo de una noche


Nada mejor en estas fechas señaladas que ver una película clásica que te recuerde momentos de tu niñez. Si además la temática de la cinta es navideña, para que queremos más. Por ello, voy a comentar en esta ocasión una película que cumple estos dos requisitos, pero que será difícil que recordéis haberla visto porque se trata de una película que no se estrenó en su día en España y que rara vez la han puesto por televisión. La película en cuestión se llama "Recuerdo de una noche" ("Remember the night, 1940), dirigida por Mitchell Leisen e interpretada, en sus principales papeles, por Barbara Stanwyck y Fred MacMurray.

Empezaré comentando que se trata de una película navideña, pero a su manera, ya que se alternan en la historia los momentos cómicos, los románticos y los dramáticos, siendo tratados todos ellos con mucha frescura y espontaneidad.

La historia es la siguiente: Lee Lander (Barbara Stanwyck) es una ladrona de joyas que ha sido pillada con las manos en la masa en su último robo. Por ello es llevada a juicio frente al fiscal Jack Sargent (Fred McMurray), el cual, viendo como el abogado defensor está llevando al jurado a su terreno con una rocambolesca hipótesis, solicita un aplazamiento del juicio hasta después de las fiestas navideñas. Dicho aplazamiento es aceptado por le juez, lo que sin embargo ocasiona que Lee sea encarcelada hasta que se reanude la vista ya que no tiene dinero para pagar la fianza. Este hecho hace que el joven fiscal sienta remordimientos por lo que él mismo paga la fianza de Lee, la cual no tiene con quien pasar las navidades llevando ésto a que finalmente dos semidesconocidos emprendan juntos un viaje desde Nueva York hasta Indiana para pasar juntos las vacaciones en el hogar de la madre del fiscal.

El trabajo de la pareja protagonista es una de las claves que hacen que esta película me parezca tan sensacional, sobre todo hay que destacar que la química que desprenden cuando están juntos en la pantalla es realmente sensacional, conectando ambos personajes desde la primera escena. Dicha química propició que volviesen a formar pareja protagonista en otras dos grandes películas: "Perdición" (Double indenmity 1943, Billy Wilder) y "Siempre hay un mañana" ("There´s always tomorrow" 1956, Douglas Sirk). De todas formas, si me tengo que quedar con uno de ellos yo personalmente me quedaré siempre con Barbara Stanwyck, mi actriz preferida de siempre, la cual en esta ocasión como en tantas otras, llega a traspasar la pantalla provocando en el espectador una ganas tremendas de llevarse para casa al personaje que interpreta.

Como dije antes, la película está dirigida por Mitchell Leisen, director claramente a redescubrir, cuyo status dentro del universo clásico Hollywoodense siempre ha estado unos cuantos peldaños por debajo de lo que realmente merecen sus obras cinematográficas. Esta situación se ha debido sin duda a los ataques sufridos por parte de algunos de los guionistas que firmaron sus películas a finales de la década de los 30 y principios de los 40. Así, nombres como Billy Wilder, Charles Brackett o Preston Sturges juzgaron despectivamente en su momento lo que Leisen había hecho con sus guiones (mágnificos por otra parte).

Sin embargo, poco a poco, la obra de Leisen ha ido recibiendo el reconocimiento que se merecen unas películas en las que el romanticismo está siempre presente, siendo plasmado en sus películas de una forma sencilla, sensible, desplegando ante el espectador toda clase de recursos cinematográficos que le llevaron a crear un estilo propio repleto de sentimientos y emociones. 

Además este gran creador de emociones, fue también uno de los pilares de la Screwball comedy que tan popular fue en los Estados Unidos entre 1934 y 1944 creando algunas joyas no del todo reconocidas del género. Hablando de géneros, otro de las características de Leisen era el mezclar dos o tres dentro de la misma película, algo habitual hoy día, pero que en aquella época era algo que muy pocos se atrevían a hacer dentro de la maquinaria de Hollywood.

Otras grandes películas de este director son: "La muerte de vacaciones" ("Death takes a holiday", 1934), "Medianoche" ("Midnight", 1939), "Adelante mi amor" ("Arise my love", 1940), "Si no amaneciera" ("Hold back the dawn", 1941), "La vida íntima de Julia Norris" ("To each his own", 1946) o "Mentira latente" ("No man of her own", 1950).

Si la labor de actores y director es encomiable, no podemos decir menos del autor del guión. El responsable de esta labor fue el gran guionista y posteriormente genial director Preston Sturges, el cual crea un guión memorable, en el que los diálogos se incrustan perfectamente en la historia, y siendo los responsables de gran parte de la empatía que el espectador siente hacia los dos protagonistas. No es de extrañar que poco después de escribir este guión, se decidiera a dar el salto a la dirección, creando algunas obras maestras del cine clásico norteamericano. Pero de ese tema hablaremos próximamente en otra entrada del blog.

En fin, poco más puedo decir de esta película, sin destriparos el argumento (por ello no os pongo el trailer de la peli, ya que aparte de ser bastante malo, nos cuenta demasiadas cosas), por lo que lo único que me queda por hacer es recomendaros que intentéis verla. Yo la descubrí un poco por casualidad hace unos seis años y desde entonces la he visto cuatro veces ,disfrutando cada visionado como si fuera el primero.

Se puede conseguir en formato Dvd, por lo que no hay excusas para no disfrutar de esta maravillosa película que siempre te deja un gran sabor de boca cuando acabas de verla.

Gabriel Menéndez Piñera






domingo, 23 de diciembre de 2012

PRETTY WOMAN





                                                  PRETTY WOMAN

  Si, si, habéis leído bien...y son dos los motivos por los que esta semana he decidido embarcarme en la crítica de esta película.

  El primero de ellos es que el pasado mes de octubre, leía en una conocida publicación especializada en cine una entrevista que Richard Gere concedía con motivo del estreno de su última película. En ella la entrevistadora le preguntaba por el peso de esta película en su carrera a lo que él contestaba y cito literalmente : 


- Estoy tremendamente orgulloso de "Pretty Woman" y no creo que nadie me discuta que es una de las mejores obras de su género. Es muy difícil hacer una película así, que funcione y perdure. Muchos lo intentan....Y pocos lo consiguen.-

   Pues bien, no puedo estar mas de acuerdo. Sin embargo al buscar información e indagar sobre ella para escribir estas lineas, ha llamado mi atención cómo gran parte de aquellos que opinan sobre la misma en diferentes medios lo hacen bajo descalificaciones, que en algunos casos rozan la vulgaridad, lo cual me entristece profundamente. Si bien es cierto que no se trata ésta de una de las grandes obras maestras de la historia del cine (al igual que muchas otras películas que tampoco lo son y sin embargo elogiadas), éste es el resultado del trabajo de un equipo humano y sólo por eso merece un mínimo de consideración. Podrá gustarnos o no, ser una mejor o peor película, podemos hablar y discutir al respecto, pero por favor, no faltemos al respeto ni a esta ni a ninguna otra película, "es muy fácil criticar una película y muy difícil hacerla".

   El segundo de los motivos por los que he decidido hablar de esta película, es porque algunos de vosotros nos demandáis en ocasiones críticas sobre películas mas populares que las que acostumbramos y no se me ocurre película mas archipopular que ésta; todo el mundo la ha visto alguna vez o al menos la conoce.



  Hecha esta perorata, decir que "Pretty Woman" es una película dirigida en 1990 por Garry Marshall y protagonizada por Julia Roberts y Richard Gere. Marshal es un director cuyo único éxito se remonta a éste film. Por ello en 1999 intentó rememorar el mismo reuniendo de nuevo a ambas estrellas para protagonizar "Novia a la fuga" ("Runaway Bride"). El resultado fue una película falta de personalidad propia y muy floja en todos sus aspectos que por supuesto no consiguió el éxito de su predecesora.

   La película cuenta la historia de Vivian y Edward, dos personajes de mundos opuestos a los que, como buen cuento de hadas que es esta película, la magia, la casualidad y el destino se ocupan de reunir.
   Vivian es una prostituta que ejerce su profesión en Sunset Boulevard. 
   Edward es un rico empresario al que un negocio obliga a pasar una semana en Los Angeles.         
   Una noche deambulando en busca de su hotel, para su coche frente a Vivian. Ésta le ofrece, previo pago, llevarle a su hotel. En el transcurso de este corto viaje ambos charlan animadamente, lo cual hace que Edward proponga a Vivian pasar la noche con él. Aunque Vivian es descarada y falta de modales, posee una naturalidad y desparpajo que hace que él contrate su compañía profesional para toda la semana, bajo la premisa de que se aloje junto a el en la suite de su hotel y le acompañe a sus citas sociales.

   A lo largo de la semana ambos compartirán confidencias a cerca de sus vidas y vivencias que les llevarán, como no podía ser de otra forma, a enamorarse. Pero aunque en la intimidad de su habitación del hotel las cosas surgen de forma natural, fuera de el, los prejuicios y convenciones sociales y la mezquindad humana no les pondrán las cosas tan fáciles para estar juntos.

    Es curioso la cantidad de nombres populares que se barajaron para interpretar ambos papeles. En el caso del protagonista masculino, actores como Al Pacino o Slivester Stalone y para el femenino  Jodie Foster, Hellen Hunt o Bridget Fonda. Lo cierto es que me cuesta imaginar a otros protagonistas en estos papeles .¿Os imagináis "Pretty Woman" protagonizada por Silvester Stalone y Bridget Fonda?. La elección final por fortuna fue la que ya conocemos y es por ella por la que se sustenta gran parte del éxito de la misma. Ambos actores interpretan a la perfección ambos papeles que les sientan como anillo al dedo, dejando entrever una gran feeling que traspasa la gran pantalla y entusiasma al público.

  Mención especial merecen además Héctor Elizondo que interpreta magníficamente a Barney Thompson, el director del hotel y Jason Alexander en el papel de Philip Stuckey, el socio de Edward. 

    El guión viene de la mano de J.F.Lawton, cuyo trabajo dota al film de una historia donde se cuenta el rescate del mundo de la prostitución de una joven por un apuesto y perfecto hombre adinerado, convirtiéndose en paradigma del deseo de muchas mujeres que soñaban con conocer a un hombre rico y guapo que les sacase de su vida corriente.  Sin embargo, esta primera teoría se destierra al final de la película, ya que de igual modo ella le rescata a el de su inerte vida, equiparando la valía de ambos personajes; pero como ocurre en muchos casos, esta lectura pasa totalmente inadvertida.


  Técnicamente poco relevante, destacan sin embargo numerosas escenas que permanecen fijas en la memoria de quienes hemos visto la película tales como le cena de caracoles, la noche en la ópera contemplando "La Traviata" o la sesión de compras por Rodeo Drive. Pero sin duda es cada una de las apariciones de Julia Roberts en las que se trasforma de patito feo a cisne, las que más llaman la atención. Y es que si al inicio de la película Vivian aparece ataviada con un modelo que dejaba claro "entonces" su condición de chica de la calle (y digo "entonces" porque ahora, el mismo modelo sería digno de una Jennifer López o de la mismísima Beyoncé; hay que ver cómo cambia el concepto de la moda y el buen gusto...). Vivian sufre una transformación bien avenida por la alta costura de Marilyn Vance y que embelesa a quien la contempla y es que si de algo puede presumir esta película es de mostrarnos a la Julia Roberts más bella de toda su carrera.


   La película lleva por título en nombre de una popular canción del gran Roy Orbison "Oh, pretty woman". A mi parecer la banda sonora está integrada por algunos grandes temas tales como "Fame `90" de David Bowie, "Fallen" de Lauren Wood o "Show me your soul" de los Red Hot Chili Peppers, siendo una lástima que en la mayoría de los casos sólo sea recordada por el "It must have been love" de los suecos Roxette, que personalmente me horroriza.




    La película se recrea en la ostentación y el lujo para retratar a una alta sociedad americana falta de honestidad y valores a la que se critica, procurando por el contrario mostrar a la prostitución como una opción respetable que no ha de denigrar a quienes la practican. Vivian y su circunstancias son fruto de una situación familiar y personal y que no la eximen de ser una mujer sensible, inteligente y elegante y todo ello la hace grande frente a la adinerada clase pudiente.

  Una película fresca y bien elaborada que durante sus ciento veinte minutos cumple lo que promete, hacernos pasar un buen rato entretenido, que a día de hoy ya es mucho.
No podemos obviar sin embargo cierto carácter edulcorado e irreal del que hace gala y que nos lleva a pensar como diría un buen amigo nuestro, en como en una segunda parte se divorcian, ella le planta una demanda millonaria y él se da al alcoholismo. Pero esa es otra historia....

   Podemos encontrar la película en formato DVD y también BluRay y seguramente si hacemos zapping ahora mismo, en alguna cadena de televisión.







                                                                           Carlota García Fernández.

miércoles, 19 de diciembre de 2012

La vida de Pi

 

La vida de Pi

Es ésta sin duda una de las adaptaciones literarias a la gran pantalla más complicadas de todas las que se han realizado en los últimos años. De esta forma han tenido que pasar casi diez años y unos cuantos directores antes de que este ambicioso proyecto pudiese llegar a alguna parte. Finalmente ha sido el director Taiwwanes Ang Lee el que nos presenta la versión cinematográfica de "La vida de Pi", la novela del escritor Yann Martel que ya ha vendido más de siete millones de ejemplares.

La historia es la siguiente, en una ciudad de la India vive la familia Patel, compuesta por el patriarca Santosh (Adil Hussain), la madre Gita (Tabu) y sus dos hijos: Piscine (al que todos llaman Pi) y Ravi (interpretado por varios actores según la edad). Esta familia se encarga de supervisar un zoo, pero llegado un momento el padre cree que deben vender el zoo y mudarse a Canadá en un barco llevandose consigo los animales. Durante el trayecto se desencadena una tormenta que origina el hundimiento del barco salvándose en una barca únucamente Pi Patel y cuatro animales: un tigre, un orangután, una cebra herida y una hiena. La narracción de la historia corre a cargo del mismo Pi Patel ya adulto (Irrfan Khan) el cual le cuenta lo que ocurrió a un periodista (interpretado por Rafe Spall).

Si hay que destacar alguna actuación es la del debutante Suraj Sharma, que hace el papel de Pi cuando ocurre el naufragio y lo que viene a continuación (es decir, la mayor parte del metraje de la película). Su labor es meritoria ya que se pasa la mayor parte del tiempo hablando solo o hacia algo inexistente, ya que el tigre que le acompaña en la balsa así como la mayoría de los animales que aparecen en la película están creados por ordenador.

Sin embargo lo más llamativo de esta película es la búsqueda constante de planos preciosistas, los cuales, por otra parte, debido al exagerado uso de las técnicas digitales, parecen absolutamente irreales. Esto hace que lo que podía ser uno de los puntos fuertes de la cinta llegue a convertirse en una rémora para la misma.
No estoy diciendo que no haya planos muy bonitos, especialmente en la primera mitad de la historia, si no que llega un momento que de tanto usar el croma y los efectos digitales, éstos pierden su fuerza y se les acaba viendo el truco.

Como dije al principio el director es Ang Lee, un director que me gusta mucho, pero que sin embargo me cuesta valorar su trabajo en esta película. A su favor hay que decir que hay unos cuantas escenas muy bien planificadas en las que no sólo destaca la vistosidad de la imagen, si no también la colocación de la cámara y la profundidad de la toma. Sin embargo esta es una película que destaca sobre todo por la historia que nos cuenta y por los medios digitales con los que se ha podido llevar a cabo, cosa impensable hace diez años, por lo que la labor del director Taiwanes, mejor o peor, queda bastante diluida.

Otras películas de Ang Lee son: "El banquete de boda" ("Xi Yan", 1993), "Comer, beber, amar" ("Yin shi nan nu", 1994), "Sentido y sensibilidad" (Sense and sensibility, 1995), "Tigre y dragón" ("Wo hu cang long", 2000), "Brokeback Mountain" (2005) o "Deseo, Peligro" ("Lust, caution", 2007).

El guión es obra de David Magee, el cual adapta el libro de Yann Martel, éste fue rechazado por unas cuantas editoriales antes de convertirse en un gran éxito de ventas. Durante los anteriores intentos de llevar a cabo esta historia a la pantalla se hicieron varias adaptaciones del libro, una de ellas fue realizada por el director M. Night Shyamalan en su intento de convertir el libro en película. Sin embargo decidió abandonar el proyecto para llevar a cabo "La joven del agua" ("Lady in the water", 2006). Otros directores que intentaron llevar "La vida de Pi" a la pantalla sin éxito fueron Alfonso Cuarón y Jean-Pierre Jeunet.

Una nota curiosa: el papel del reportero que interpreta Rafe Spall, lo había realizado en un primer momento Tobey Maguire, sin embargo Ang Lee decidió posteriormente eliminar la actuación de Maguire y rodar de nuevo todas las escenas en que aparecía. Por lo visto Lee creía que la presencia del famoso actor norteamericano interrumpía el fluir narrativo del personaje.

Se trata de una historia muy espiritual, ya que el personaje principal es correligionario de todas las creencias existentes en el planeta. Ello hace que se cree una barrera entre el personaje y los espectadores no creyentes y le da un tono a la película de fábula que no le beneficia en absoluto. Sobre todo teniendo en cuenta el giro argumental que ocurre al final de la película.

En cuanto a los efectos especiales y el 3D decir al respecto que ambos están muy bien realizados, sobre todo los animales que acompañan a Pi en su naufragio. Mención especial merece el tigre, ya que realmente han hecho un gran trabajo en la creación de este animal mediante efectos digitales. Sin embargo, el hecho de que salga en tantas escenas da lugar a que se llegue a notar claramente el artificio. Además, hay dos escenas que llegan a resultar ridículas tanto en el fondo como en la forma, una es la escena de la ballena y otra es en la que arrivan en una isla, la cual no es lo que parece.

En definitiva, no nos ha acabado de convencer esta vida de Pi, quizás es demasiado espiritual para los tiempos que corren, quizás el excesivo uso de los efectos digitales en una película dramática hace que ésta pierda su fuerza o quizás es que últimamente he visto demasiadas películas bastante mejores que ésta.


Gabriel Menéndez Piñera




sábado, 15 de diciembre de 2012

En la casa

En la casa


Hay películas especiales y ésta es sin duda una de ellas, podrá gustar más o menos, pero es una película que está hecha con una dedicación exhaustiva, pero dicha dedicación no está dirigida a complacer al espectador, si no para complacer a su creador. Con ésto no estoy diciendo que el espectador no disfrute con ella (yo me lo he pasado en grande viéndola), si no que el director arremete contra todos los personajes que retrata, especialmente contra los adultos, pero no contento con ello el espectador atento descubrirá una somera crítica dirigida hacia cada una de las personas que nos sentamos en una pantalla de cine a ver este tipo de películas "cultas".

"En la casa", cuyo título original es "Dans la maison" es una película francesa de este año 2012 que narra la historia de Germain, un profesor de colegio hastiado y casado con Jeanne, que trabaja en una galería de arte. Un día encarga a sus alumnos una redacción sobre lo que han hecho el fin de semana y descubre como uno de ellos (Claude) describe de forma maravillosa como estuvo en casa de Rapha, uno de sus compañeros de clase, contando además algunas intimidades de los padres de su compañero. Germain cree que Claude tiene un don especial para escribir y le anima a que siga contando la historia de la familia de Rapha escribiéndola por partes que le va entregando para que Germain los juzgue y le enseñe la técnica narrativa correcta. Sin embargo tanto Germain como Jeanne enseguida se quedan enganchados a la vida de esa familia a la que no conocen, pero cuyas vivencias, tal como se las cuenta Claude, les apasionan.

El reparto es realmente excelente con unas actuaciones dignas de destacar. Germain está interpretado por Fabriche Luchinni, Kristin Scott Thomas hace el papel de Jeanne. Claude es representado por el joven Ernst  Limhauer, el cual hace una interpretación realmente inquietante, mientras que su compañero Rapha es interpretado por Bastien Ughetto. Finalmente quiero destacar a los dos actores que interpretan a los padres de Rapha, Emmanuelle Seignier (Esther) y Denis Menochet (Raphael), ya que realmente su labor sobrepasa la línea de una buena actuación, creando unos personajes entre patéticos y adorables.

Sin embargo el gran mérito de la película recae sobre una persona, Francois Ozon, el cual ejerce tanto de director como de guionista de esta gran obra. Como director su labor es apabullante, ya que la película tiene un ritmo apasionante que hace que no decaiga el interés durante todo el metraje. De igual manera es muy destacable como el director mezcla el drama, el humor y el suspense a partes iguales de tal forma que cada espectador puede quedarse con la parte que más le atraiga o, como en mi caso, disfrutar de todas ellas por igual. Así mismo lo que más me ha llamado la atención es como todas las escenas, hasta la más insignificante, tiene un significado importante en relación con la trama o con la evolución de los personajes.

Como guionista, sencillamente no tengo palabras, ya que esta adaptación de una obra de teatro del español Juan Mayorga llamada "El chico de la última fila" es realmente una gozada para los sentidos, especialmente el auditivo. Oir como están narrada la vida cotidiana de la familia espiada es sencillamente maravilloso, la prosa usada es digna de la mejor obra literaria y hace que en algunos momentos las emociones te inunden. Así mismo, la complejidad y densidad de las diferentes historias que componen los personajes hace que cada fotograma visto y cada palabra escuchada, sea esencial para el total entendimiento de la obra de arte que está pasando ante nuestros ojos. 

Durante la película se mezclan la realidad con la ficción de tal forma que muchas veces no es posible distinguir si lo que se ve en la pantalla es algo real o algo inventado por la imaginación de Claude, lo que hace que el espectador se sienta intrigado y busque un desenlace a las diferentes ramificaciones que va tomando la historia.

Ozon nos propone un juego de espejos realmente interesante entre las dos parejas de adultos, Germain y Jeanne por un lado y Rapha padre y Esther por otro. De tal forma que se establece un reflejo entre Jeanne y Rapha padre ambos agobiados por su trabajo debido a la presión que les ejercen sus respectivos jefes. Así mismo entre Germain y Esther se produce otro reflejo, ambos unidos por su hastío y su búsqueda de alguien que les saque de su rutina y les estimule, siendo el personaje de Claude el que los funda en un única imagen.

Además Ozon se muestra implacable con estos cuatro personajes especialmente con el matrimonio formado por el profesor y la galerista de arte, que pese a su cultura se quedan embobados con el pequeño "reality" que crean los relatos de su alumno aventajado.


Otras películas de este director son: "Gotas de agua sobre piedras calientes" ("Gouttes de eau sur pierres brulantes", 1999), "8 mujeres" ("8 femmes", 2002), "La piscina" ("Swimming pool", 2003), "El tiempo que queda" ("Le temps qui reste", 2005) o "Potiche, mujeres al poder" ("Potiche", 2010). Sin embargo creo sinceramente que ésta de la que estoy hablando es, sin duda, su mejor película hasta la fecha.



Hay dos homenajes cinematográficos en la película, uno a Woody Allen en varias escenas, especialmente en las que el profesor se integra en algunas de las escenas que narra Claude en la casa de Rapha dialogando e interactuando con Claude como si realmente estuviese allí. Además hay una escena que nos recuerda a la famosa escena de "Annie Hall" ("Annie Hall" 1977, Woody Allen) en la que el propio Allen y Diane Keaton están discutiendo en la cola de un cine. En esta ocasión, son Germain y Jeanne los que discuten en la parte de afuera de un cine esperando para entrar, siendo  "Match Point" ("Match Point" 2005, Woody Allen) la película para la que están haciendo cola. El otro homenaje se produce en la última escena de la película, que nos remite a la gran película del maestro del suspense "La ventana indiscreta" ("Rear window" 1954, Alfred Hitchcock)  en una toma final que acaba de dar el golpe de gracia a un espectador que es difícil que se le pueda dar más de lo que le ofrece esta obra.

Podría seguir y seguir escribiendo sobre esta película pero prefiero que descubráis por vosotros mismos parte de su grandeza, de la cual no he hablado por no extenderme demasiado. Sólo quiero decir para acabar que, a pesar de haberse llevado en San Sebastián los premios a mejor película y mejor guión y haber sido premiada en el Festival de Toronto con el premio Fipresci, creo que no se le está dando a esta película el valor que se merece. Sólo espero que el tiempo vaya dando a esta maravillosa cinta el lugar que se merece dentro del Olimpo cinematográfico.


Gabriel Menéndez Piñera.


















jueves, 13 de diciembre de 2012

Juno





                                                         
                                                                 Juno


    Jason Reitman dirige en 2007  este film que no por casualidad recibe el nombre de "Juno", diosa mitológica romana protectora de la maternidad.

   Hijo de Ivan Reitman, director de taquillazos ochenteros tan conocidos como "Cazafantasmas" ("Ghostbusters" 1984)  o "Los gemelos golpean dos veces"("Twins" 1988);  Jason aprenderá de su padre el oficio del cine.
   "Juno" es su segundo largometraje y aquel que le dará a conocer al gran público. Tras ella dirigirá en 2009 "Up in the air", protagonizada por George Clooney  y recientemente en 2011 "Young Adult", protagonizada por Charlize Theron.

   Además de a su director, esta película dará a conocer a otro de sus artífices, la controvertida guionista Diablo Cody, una ex-streaper/teleoperadora de lineas eróticas que narraba sus experiencias en un blog.  Dicho blog será un buen día descubierto por un hollywoodiense productor, para el cual Cody escribe un libro y a continuación un guión en el que se basará la película de la que nos disponemos a hablar.

    Juno (Ellen Page) es una adolescente que tan sólo con 16 años se entera de que está embarazada de su amigo Bleeker (Michael Cera). Aunque en un primer momento su primera idea es abortar, finalmente se siente incapaz de hacerlo y decide ser valiente, seguir adelante con el embarazo y dar en adopción al bebe. Para ello busca en el periódico a posibles familias candidatas a adoptar. Así encuentra a Vanessa (Jennifer Garner) y a Mark (Jason Bateman), una idílica y acomodada pareja, deseosa de ser padres, a la que accede a entregar el bebe. 

   Juno intenta seguir con toda la normalidad posible con la que una chica de 16 años puede llevar un embarazo en un pequeño pueblo de Minnesota. Bleeker al saberse padre del bebe que espera se siente confuso y este echo hace que su relación de perfecta amistad se distancie. Por el contrario, Juno comienza a frecuentar la casa de la familia adoptiva y entabla una amistad con Mark, al que unen gustos musicales. Ambos hacen de esa relación una vía de escape hacia sus frustrado estado sentimental. Mark, un niño grande, se siente aprisionado en su convencional vida adulta, deseoso en el fondo de que nada cambie y Juno se siente sola desde que su relación con Bleeker se ha enfriado. Así, un día todo dará un vuelco que pondrá en peligro todo lo pactado entre Juno y la familia de adopción. 

    Tras su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto,  la película comenzó a ser atacada por asociaciones "provida" y también "proelección". Los artífices del film se han declarado en todo momento a favor de la proelección y así se deja ver a lo largo del film, mostrando las diferentes alternativas y posiciones en lo referente a tener un hijo. Además, a lo largo de ésta se establecen sendas críticas satíricas a todos esos aspectos, desde al embarazo adolescente, al hecho de no poder tenerlos o a cómo los anuncios de adopción se encuentran en el periódico de un supermercado al lado de las mascotas exóticas.

   Reitman admite que nada más haber leído el guión pensó en Ellen Page para el papel de Juno, la elección no pudo ser mejor, el papel parece haber sido escrito para ella, llevando su interpretación a un punto donde la naturalidad con la que se desenvuelve resulta asombrosa.
   Idéntica mención merece el papel de Jennifer Garner, quien refleja a la perfección a la ansiosa, perfecta y maternal Vanessa. 
    Entre todas las mujeres protagonistas se establece un lazo común, la fortaleza ante las situaciones que conciernen a los hijos.
   También me parece destacable el papel de J.K. Simmons, quien da vida a Mac, el padre de Juno, un antiguo militar retirado que cría de forma cariñosa y comprensiva a su hija con la ayuda de la madrastra de ésta (Allison Janney), con quien se ha casado tras ser abandonados ambos por la madre de Juno.

   Confieso que disfruto enormemente cada vez que veo esta película, me parece una propuesta muy original para mostrar la vida de una joven que se mueve fuera de los estereotipos que suelen rodear a la adolescencia.
          
               - ¿Dónde has estado Juno?-    
               - Por ahí, ocupándome de cosas que sobrepasan mi nivel de madurez.-



   Y es que Juno , aunque de una forma infantil, dada su edad, se muestra interesada por la cultura pop, por el cine, la música y el pensamiento y a pesar de todo se ve sorprendida por una situación que resuelve de forma acertada y adulta. Se nos muestra a una joven en una habitación 
"horror- vacui"de posters, que habla desde un teléfono-hamburguesa o que bromea con la posibilidad de ahorcarse con un largo regaliz y que sin embargo ejecuta determinaciones de las que muchos adultos serían incapaces y las lleva a cabo con decisión sin importarle lo que los demás opinen, simplemente porque es lo correcto.

   Mención especial para unos magníficos diálogos llenos de sutilezas, inteligentes, memorables, agudos, un tanto perniciosos en ocasiones, rozando la pretenciosidad pero bellísimos.  Referencias y guiños al punk y al rock alternativo, al cine de terror italiano y con varios toques surrealistas que le dan además un carácter atípico de cine independiente, de ese que tanto me gusta, a pesar de que la película contó para su rodaje con la nada "independiente"cifra de 7 millones de dólares.

   Desde un comienzo donde los títulos de crédito se ilustran con una historieta animada realizada por "Shadowplay"(un estudio de diseño californiano) hasta la consecución de cada escena dejan patente una dirección artística llena de aciertos en sus 96 minutos de duración.

   La historia está narrada en primera persona por la propia protagonista. Para ver la evolución de la trama la película se divide en capítulos que coinciden con cada estación del año en el que tiene lugar el embarazo . 

    La banda sonora integra temas tales como "Dearest" de Buddy Holly, "Superstar" de Sonic Youth, "I'm sticking with you" de The Velvet Underground y por sugerencia de la misma Ellen Page varias composiciones de Kimya Dawson entre las que destacan una versión de su "Anyone else but you" interpretada poniendo fin al film por Michael Cera y Ellen Page.

   La cinta fue nominada a numerosos premios en varias categorías, llevándose varios al mejor guión original entre los que se incluye un Oscar.
  
  La película se encuentra fácilmente en formato Blu-ray y DVD con sus correspondientes extras: escenas eliminadas , comentarios de D.Cody Y J.Reitman, escenas eliminadas, etc.



                                                                                        Carlota García Fernández.

  





domingo, 9 de diciembre de 2012

About the pink sky

About the pink sky

Esta fue la película elegida por el jurado internacional del 50 Festival Internacional de Cine de Gijón, celebrado el pasado mes de Noviembre, para llevarse el premio a la mejor película. Se trata de una película japonesa cuyo título original es "Momoiro sonao".

El argumento es el siguiente, una adolescente llamada Izumi se encuentra en la calle una cartera llena de dinero. Tras pensarse mucho que hacer con ella, decide devolvérsela a su dueño, pero antes coge parte del dinero para prestárselo a un amigo adulto que lo necesita. Cuando Izumi y sus dos amigas Hasumi y Kaoru van a devolver la cartera a su dueño resulta que éste es un guapo adolescente que les causa gran impresión. Este, al ver que falta dinero de la cartera, les propone que le echen una mano en una tarea un poco especial. Les pide que creen un periódico que tenga únicamente buenas noticias para que lo pueda leer un amigo suyo que está enfermo en el hospital y así recupere las ganas de vivir.

Los 4 adolescentes que protagonizan la cinta son debutantes, sin embargo cumplen bastante bien su cometido, especialmente Ai Ikeda en su papel de Izumi, la protagonista. Los otros actores son: Tsubana Takayama como Sato, el dueño de la cartera, Ena Koshiro en el papel de Hasumi y Reiko Fujiwara en el papel de Kaoru.

El director es Keiichi Kobayashi, el cual debuta también en la dirección con este largometraje del cual es así mismo también autor del guión. Su labor es bastante buena en ambos aspectos creando una película en la que se mezcla lo viejo y lo nuevo de forma constante y en la que el uso del sonido hace que éste se convierta en uno de los protagonistas. Así, en una de las primeras escenas vemos a Izumi leyendo el periódico y puntuando de forma negativa cada noticia mala que lee y de forma positiva las noticias buenas. En esta escena el ruido que meten las hojas del periódico se hace insoportable debido a la cantidad de malas noticias que trae, las cuales son las responsables de dicho estress sonoro. Sin embargo cuando Izumi y sus amigas crean el periódico sólo con buenas noticias éste no genera nada de ruido al leerlo.

Otro de los aspectos que destaca es la ausencia total de música a lo largo de la película, recordando a algunas de las películas japonesas de la decada de los 30 que se hacían de esta manera (de nuevo lo viejo y lo nuevo) y que hace que el uso del sonido sea aún más llamativo. El hecho de que la película esté rodada en blanco y negro aumenta ese sabor a añejo, el cual choca sin embargo con el hecho de que la película esté rodada en su totalidad desde el punto de vista de los adolescentes protagonistas, de tal forma que sus padres no aparecen ni una sóla vez durante el transcurso de los acontecimientos. Así mismo la aparición de personajes adultos es meramente testimonial.

En definitiva, creo que esta película supone un buen debut para su director, el cual ha hecho una obra bastante original, llena de simbolismos y contrastes. Sin embargo, también pienso que ha habido películas en esta edición del FICX superiores y con más méritos para llevarse el máximo galardón del festival. Pero esta es la grandeza del cine.

Gabriel Menéndez Piñera





miércoles, 5 de diciembre de 2012

Viagem a Portugal




                                                  Viagem a Portugal


    Se trata ésta de otra de las películas proyectadas en el recién finalizado Festival Internacional de Cine de Gijón. En este caso fue una de las participantes del ciclo "Rellumes", cuya característica principal es que a la salida del cine cada espectador puede votar el film apuntándola del 1 al 10. "Viagem a Portugal" fué la elegida por el público para ostentar el puesto ganador en el pasado palmares.

   Sergio Trefaut dirige en 2011 este film que pese a durar tan sólo 75 minutos, se trata del primer largometraje de ficción de un director proveniente del documental ("Lisboetas"2005"; "La ciudad de los muertos" 2009).




   El guión elaborado por el propio director narra una surrealista historia que, aunque pueda resultar inverosímil, está basada en una realidad cercana al propio Trefaut.

   María (María de Medeiros)  es una mujer ucraniana que viaja a Faro para reencontrarse con su marido( Makena Diop) , que por circunstancias de la vida se ha visto obligado a emigrar a Lisboa para ganarse la vida trabajando en la construcción de la Exposición Universal celebrada en la ciudad en el 98. Al llegar al aeropuerto de Faro para pasar las navidades, las autoridades aduaneras impiden su entrada en el país, a pesar de tener en su poder un visado de turista en regla. Con la falta de explicaciones y la dificultad para entenderse debido al idioma, comienza una auténtica pesadilla para la protagonista. Tratada como si fuese una delincuente es esposada y retenida en una celda sin motivo alguno. Pero esta situación no hará mas que empeorar cuando la inspectora de hacienda ( Isabel Ruth) encargada de su caso, descubre que el marido de María es de origen senegalés.



   De todos es conocido como tras los incidentes del 11S, todos los aeropuertos del mundo vieron intensificadas sus medidas de seguridad, a veces, llegando a puntos que rozan la ridiculez y el abuso de autoridad. Autoridad, que en muchos casos  como el que en el film se retrata, está ejercida por verdaderos ineptos faltos de cualquier atisbo de cultura, sentido común y humanidad, que confunden la seguridad de un país con estúpidos prejuicios raciales o culturales. 
  Así María y su marido llegan a ser tratados respectivamente de "puta y chulo", siendo en este caso, médicos ambos. María es presa de absurdos interrogatorios en un idioma que no comprende, de vejaciones psicológicas y físicas y que a punto están de poner en peligro su vida al negársele inyectarse insulina para la diabetes que sufre y siendo en cambio acusada de drogadicta.



    
   La película está íntegramente rodada en riguroso blanco y negro, lo cual facilita al espectador centrarse en la problemática personal de los protagonistas y que dota al anodino  aeropuerto, único escenario de toda la acción, de un carácter aún mas institucional, impersonal y lúgubre si cabe.

   Gran parte de la película se centra en los absurdos interrogatorios a los que ya hemos hecho mención, Para ello, el director duplica las escenas en las que tienen lugar los diálogos  entre  de ambos interlocutores, presentándonos en primer lugar un plano fijo de quien pregunta y posteriormente de quien responde, todo ello con intención de ponernos en ambos extremos, en ambas posiciones y hacernos pensar. 
    
   María de Medeiros, con una caracterización impecable  interpreta el papel con una severidad y credibilidad que traspasan la pantalla, al igual que ocurre con los papeles de su marido y de la inspectora. Tres personajes llenos de pequeños matices.

 Una película rodada con pocos medios y en pocas semanas con sencillez, sobriedad y muy muy, muy buen gusto, haciendo llegar al espectador la desesperación , la asfixia y la impotencia de la que los protagonistas son presa.




   En resumen, una muy buena película que de nuevo vuelve a cumplir una vez mas con esa premisa de "menos es mas" que tanto nos gusta.

sábado, 1 de diciembre de 2012

The patience stone


The patience stone


Esta película fue, sin duda, una de las mayores sorpresas en la sección oficial del pasado Festival Internacional de Cine de Gijón, ya que, aparte de llevarse el beneplácito de gran parte del público que tuvo la oportunidad de verla, fue recompensada con los siguientes galardones: Mejor actriz, Premio a la mejor película por el jurado joven y el Premio a la mejor película por el jurado Fipresci (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica).

Esta obra es una coprodución entre Afganistán, Francia y Alemania, cuyo título original en Syngué sabour. El argumento (Golshifteh Farahani) es el siguiente: en un Afganistán en guerra una esposa tiene que cuidar de su esposo moribundo, debido a una herida en una reyerta, y de sus dos hijas pequeñas. La situación se torna absolutamente desesperada, lo cual hace que la mujer descargue dicha desesperación narrando, a su marido inconsciente, todos los secretos e insatisfaciones que se ha guardado dentro de sí toda su vida.

Todo el peso de la película lo lleva la bellísima actriz protagonista Golshifteh Farahani, la cual realiza largos soliloquios y soporta largos primeros planos durante los mismos, con una gran naturalidad. No se trata de una actriz en absoluto desconocida ya que cuenta en su currículum películas como "Red de mentiras" ("Body of lies" 2008, Ridley Scott), "A propósito de Elly" ("Darbareye Elly" 2009, Asghar Farhadi) o "Pollo con ciruelas" ("Poulet aux prunes" 2011, Vincent Paronnaud / Marjane Sartrapi). Como ya dijimos antes, su gran labor le hizo merecedora del premio a la mejor actriz en el pasado FICX.

El resto del reparto lo forman Hamid Djavadan como el marido de la protagonista, Hassina Burgan como la tía de la misma y Massi Mrowat como un soldado afgano que recala en la casa en la que yace el marido moribundo.

EL director de esta gran película es Atiq Rahimi, el cual es también el autor de la novela de éxito en la que se basa la película. Su labor es también notable, creando diferentes atmósferas a lo largo de la película según va evolucionando el personaje protagonista dentro de su semiencierro en su casa con su marido. Hay una escena que destaca por la similitud de la misma con las escenas a cámara lenta que creó con majestuosidad el director Wong Kar-Way para su obra maestra "Deseando amar" (In The mood for love, 2000). En dicha escena se ve a la protagonista arreglándose, con una luz muy ténue y acompañada de una música ligeramente similar a la utilizada por el director asiático en su película. Podéis revisar la crítica que hemos hecho de "Deseando amar" (in the mood for love) en la siguiente dirección: http://historiasdelceluloide.blogspot.com.es/2012/11/deseando-amar-in-mood-for-love.html
El guionista de este film es el veteranísimo Jean-Claude Carriere el cual colaboró con el gran director español Luis Buñuel en cuatro de sus películas, "Diario de una camarera" (1964), "Bella de día" (Belle de jour, 1967), "El discreto encanto de la burguesía" (1972) y "Ese oscuro objeto del deseo" (1977). Además, de entre su extensísima filmografía me gustaría destacar otras dos películas: "Valmont" (1989, Milos Forman) y la reciente "El artista y la modelo" (2012, Fernando Trueba). En esta ocasión firma el guión de la película a medias con el director de la misma que, como ya dijimos, es el autor de la novela original.

El título de esta película The patience stone (La piedra de la paciencia) alude a una fábula sobre una piedra mítica a la que puedes confiar todos tus secretos y preocupaciones, la cual, cuando has acabado de relatar dichos secretos, estalla liberándote de la presión que éstos ejercían sobre tu alma.

Otro aspecto destacable es que al prinicpio nos presenta una situación realmente dramática para esta mujer, ya que aparte de soportar continuos ataques y bombardeos sobre su casa, no tienen ni luz, ni agua en la misma y ni ella ni sus dos hijas tienen nada que comer. Además, en un primer momento, no hay nadie que les ayude a superar esta trágica situación, ya que como todas las mujeres árabes dependía por completo de su marido para salir adelante. Sin embargo, a medida que avanza la narración la situación se va tornando menos dura, a la vez que la protagonista libera su alma contándole a su marido secretos que, si éste estuviese sano, nunca se hubiese atrevido a revelar.

Sólo nos queda decir que os recomendamos que busquéis esta película porque realmente merece la pena disfrutar de ella, aunque me temo que no va a ser fácil poder localizarla en la mayoría de las ciudades. En Francia está previsto que se estrene en Febrero del 2013, mientras que en España será Golem la que se encargará de distribuir la película, pero de momento no disponemos de la fecha de su estreno.

Gabriel Menéndez Piñera