Pulp Fiction

                                                            Pulp Fiction


Pulp: revista o libro de contenido oscuro y característicamente impreso sobre papel no     procesado.

   Ringo, alias "Pumpkin" (Tim Roth) y Yolanda, alias "Honeybunny" (Amanda Plummer) son una dos atracadores de poca monta que desayunan en un café mientras hacen planes de futuro como cualquier pareja normal. En el curso de sus conversaciones, deciden atracar el establecimiento.


    -¡Todo el mundo quieto, esto es un atraco!-
    -¡ Y como algún jodido capullo se mueva, me cago en la leche, me pienso cargar hasta el último de vosotros!-

   Con este impactante comienzo, con claras referencias a su guión para "Asesinos Natos"
( "Natural Born Killers", 1994) de Oliver Stone, da comienzo el segundo y más representativo film del director Quentin Tarantino: "Pulp Fiction" (1994).

  Esta escena sirve también de prólogo y epílogo a los tres capítulos en los que se divide la historia:
  
    1- "Vincent Vega y la esposa de Marsellus Wallace".
         Jules (Samuel L.Jackson) y Vincent Vega (John Travolta), son dos sicarios que trabajan a las órdenes del mafioso Marsellus Wallace. Mientras se encaminan a realizar un "trabajo", consistente en recuperar un misterioso maletín, charlan sobre como el segundo de ellos ha de entretener a Mia (Uma Thurman), la chica del jefe, mientras este está fuera.

   2- "El reloj de oro".
       Butch (Bruce Willis) es un boxeador acabado que comparte su vida con su chica Fabienne (María de Medeiros) y un viejo reloj familiar. Además es otro de los esbirros de Marcellus y con éste acuerda perder un combate a cambio de dinero. En el último momento Butch, llevado por el orgullo, decide ganar el combate y huir con el dinero, lo cual provocará toda una serie de inesperados acontecimientos.
  
    3- "La situación con Bonnie".
      Tras recuperar el maletín y llevarse consigo a uno de los secuaces, Jules y Vincent le disparan accidentalmente en el coche en el que viajan, dejando éste lleno de sangre, lo que les impide seguir su camino con discreción. En busca de ayuda hacen una parada en casa de Jim (Quentin Tarantino), pero su mujer Bonnie está a punto de llegar, por lo que han de deshacerse del vehículo con la ayuda del Sr.Lobo (Harvey Keitel). Una vez resuelto el problema Jules y Vincent hacen una parada para desayunar en el mismo café en el que casualmente Pumkin y Honeybunny se disponen a atracar.

   Todos estos capítulos , sin embargo, no responden a una narración clásica, sino que se alteran en tiempo y espacio creando un creativo"puzle"a ordenar por el espectador que hace que sólo al final del film se comprenda su conjunto. 
    Durante diez semanas de rodaje y con un presupuesto de ocho millones de dólares Tarantino y su su equipo rodarán en Los Ángeles el material al que Sally Menke (directora de montaje de todas sus películas hasta el año 2009 en el que falleció) dará forma final de forma majestuosa.

   El guión está escrito por el propio Tarantino, basándose en ideas propias y de Roger Avary, quien fué compañero del  "Video Archives"(videoclub en el que trabajó de dependiente cuando era joven). Éste les valdría numerosas nominaciones y premios que incluyen el Oscar al mejor guión original y la Palma de oro a la mejor película en el Festival de Cannes de 1994 en el que se presentó.

   De todos es conocida la cinefilia de este peculiar director, consumidor incansable de cine oriental , spaghetti western y cine de los 70 ( blackexplotation, grindhouse, ...) cuyas innumerables influencias junto a la de directores como Martin Scorsese, Robert Aldrich, Jhon Woo, Mario Baba, etc. aparecen esparcidas por todo el film.
  Son dos sin embargo nuestras referencias favoritas. Como no podía ser de otra forma la primera de ellas hace referencia a nuestro adorado Alfred Hitchcock y a su genial "Psicosis"(1960) en la escena en la que Butch atropella a Marsellus. La segunda de ellas es aquella en que se basa el archiconocido twist "You never can´t tell" de Chuck Berry que Uma y Travolta bailan en el Jack Rabitt Slims, deudora del que la bellísima Anna Karina se marcaba junto a Claude Brasseur y Sammy Frey en "Bande à part" (1966) de Jean -Luc Godard. Como curiosidad comentar que dicho film, no por casualidad, da nombre a la productora que posee el propio Tarantino.
  Además en esta película se dibujan recursos e ideas que mas tarde se desarrollarán mas ampliamente en producciones posteriores como en ambos volúmenes de "Kill Bill" (2003-2004), que dicho sea de paso, es mi favorita del director.

  Además el film reúne múltiples influencias más tales como el comic, la literatura, la cultura popular estadounidense y como no, la música. Y es que en Pulp Fiction, la banda sonora juega un papel fundamental al conferirle una identidad propia e inimitable. Con una selección musical que abarca numerosos géneros de distintas épocas que van casando en cada escena como si hubiesen sido creadas expresamente para ellas.

   Los largos, verborréicos y aparentemente intrascendentes diálogos (aunque en el fondo reflejo fiel de la vida real) que se disponen para cada personaje son otro de los aspectos que sorprenden en éste y todos los trabajos del realizador y que se suman al meticuloso trabajo de ciento sesenta y ocho minutos del que está dotado toda la producción.

   El reparto coral, plagado de nombres conocidos y de otros que lo serán tras ésta, destaca por su compromiso y fidelidad a cada personaje. Imponentes desde Samuel L.Jackson, pasando por Bruce Willis o Harvey Keitel hasta llegar a María de Medeiros. Supone el resurgimiento de un olvidado Travolta y el comienzo de la relación Uma-Tarantino que tendrá como resultado la mencionada "Kill Bill".

  El humor negro con el que se tratan las escenas de violencia es otro de los puntos mas impactantes y es que "el arma es más importante que la víctima", contrastando con la marcada moralidad de personajes como Jules que recita "pasajes bíblicos" antes de cometer cada asesinato.

  En resumen, aunque suene a tópico, decir que es una gran obra del cine contemporáneo, digna de ver una y otra vez e ir descubriendo nuevos pequeños detalles que la hacen más grande aún si cabe.

  Por supuesto podemos encontrarla en DVD y en este caso, recomiendo si es posible su visionado en Bluray.

                                                             Carlota García Fernández.

Juno

                                                         
                                                                 Juno


    Jason Reitman dirige en 2007  este film que no por casualidad recibe el nombre de "Juno", diosa mitológica romana protectora de la maternidad.

   Hijo de Ivan Reitman, director de taquillazos ochenteros tan conocidos como "Cazafantasmas" ("Ghostbusters" 1984)  o "Los gemelos golpean dos veces"("Twins" 1988);  Jason aprenderá de su padre el oficio del cine.
   "Juno" es su segundo largometraje y aquel que le dará a conocer al gran público. Tras ella dirigirá en 2009 "Up in the air", protagonizada por George Clooney  y recientemente en 2011 "Young Adult", protagonizada por Charlize Theron.

   Además de a su director, esta película dará a conocer a otro de sus artífices, la controvertida guionista Diablo Cody, una ex-streaper/teleoperadora de lineas eróticas que narraba sus experiencias en un blog.  Dicho blog será un buen día descubierto por un hollywoodiense productor, para el cual Cody escribe un libro y a continuación un guión en el que se basará la película de la que nos disponemos a hablar.

    Juno (Ellen Page) es una adolescente que tan sólo con 16 años se entera de que está embarazada de su amigo Bleeker (Michael Cera). Aunque en un primer momento su primera idea es abortar, finalmente se siente incapaz de hacerlo y decide ser valiente, seguir adelante con el embarazo y dar en adopción al bebe. Para ello busca en el periódico a posibles familias candidatas a adoptar. Así encuentra a Vanessa (Jennifer Garner) y a Mark (Jason Bateman), una idílica y acomodada pareja, deseosa de ser padres, a la que accede a entregar el bebe. 

   Juno intenta seguir con toda la normalidad posible con la que una chica de 16 años puede llevar un embarazo en un pequeño pueblo de Minnesota. Bleeker al saberse padre del bebe que espera se siente confuso y este echo hace que su relación de perfecta amistad se distancie. Por el contrario, Juno comienza a frecuentar la casa de la familia adoptiva y entabla una amistad con Mark, al que unen gustos musicales. Ambos hacen de esa relación una vía de escape hacia sus frustrado estado sentimental. Mark, un niño grande, se siente aprisionado en su convencional vida adulta, deseoso en el fondo de que nada cambie y Juno se siente sola desde que su relación con Bleeker se ha enfriado. Así, un día todo dará un vuelco que pondrá en peligro todo lo pactado entre Juno y la familia de adopción. 

    Tras su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto,  la película comenzó a ser atacada por asociaciones "provida" y también "proelección". Los artífices del film se han declarado en todo momento a favor de la proelección y así se deja ver a lo largo del film, mostrando las diferentes alternativas y posiciones en lo referente a tener un hijo. Además, a lo largo de ésta se establecen sendas críticas satíricas a todos esos aspectos, desde al embarazo adolescente, al hecho de no poder tenerlos o a cómo los anuncios de adopción se encuentran en el periódico de un supermercado al lado de las mascotas exóticas.

   Reitman admite que nada más haber leído el guión pensó en Ellen Page para el papel de Juno, la elección no pudo ser mejor, el papel parece haber sido escrito para ella, llevando su interpretación a un punto donde la naturalidad con la que se desenvuelve resulta asombrosa.
   Idéntica mención merece el papel de Jennifer Garner, quien refleja a la perfección a la ansiosa, perfecta y maternal Vanessa. 
    Entre todas las mujeres protagonistas se establece un lazo común, la fortaleza ante las situaciones que conciernen a los hijos.
   También me parece destacable el papel de J.K. Simmons, quien da vida a Mac, el padre de Juno, un antiguo militar retirado que cría de forma cariñosa y comprensiva a su hija con la ayuda de la madrastra de ésta (Allison Janney), con quien se ha casado tras ser abandonados ambos por la madre de Juno.

   Confieso que disfruto enormemente cada vez que veo esta película, me parece una propuesta muy original para mostrar la vida de una joven que se mueve fuera de los estereotipos que suelen rodear a la adolescencia.
          
               - ¿Dónde has estado Juno?-    
               - Por ahí, ocupándome de cosas que sobrepasan mi nivel de madurez.-

   Y es que Juno , aunque de una forma infantil, dada su edad, se muestra interesada por la cultura pop, por el cine, la música y el pensamiento y a pesar de todo se ve sorprendida por una situación que resuelve de forma acertada y adulta. Se nos muestra a una joven en una habitación 
"horror- vacui"de posters, que habla desde un teléfono-hamburguesa o que bromea con la posibilidad de ahorcarse con un largo regaliz y que sin embargo ejecuta determinaciones de las que muchos adultos serían incapaces y las lleva a cabo con decisión sin importarle lo que los demás opinen, simplemente porque es lo correcto.

   Mención especial para unos magníficos diálogos llenos de sutilezas, inteligentes, memorables, agudos, un tanto perniciosos en ocasiones, rozando la pretenciosidad pero bellísimos.  Referencias y guiños al punk y al rock alternativo, al cine de terror italiano y con varios toques surrealistas que le dan además un carácter atípico de cine independiente, de ese que tanto me gusta, a pesar de que la película contó para su rodaje con la nada "independiente"cifra de 7 millones de dólares.

   Desde un comienzo donde los títulos de crédito se ilustran con una historieta animada realizada por "Shadowplay"(un estudio de diseño californiano) hasta la consecución de cada escena dejan patente una dirección artística llena de aciertos en sus 96 minutos de duración.

   La historia está narrada en primera persona por la propia protagonista. Para ver la evolución de la trama la película se divide en capítulos que coinciden con cada estación del año en el que tiene lugar el embarazo . 

    La banda sonora integra temas tales como "Dearest" de Buddy Holly, "Superstar" de Sonic Youth, "I'm sticking with you" de The Velvet Underground y por sugerencia de la misma Ellen Page varias composiciones de Kimya Dawson entre las que destacan una versión de su "Anyone else but you" interpretada poniendo fin al film por Michael Cera y Ellen Page.

   La cinta fue nominada a numerosos premios en varias categorías, llevándose varios al mejor guión original entre los que se incluye un Oscar.

  

  La película se encuentra fácilmente en formato Blu-ray y DVD con sus correspondientes extras: escenas eliminadas , comentarios de D.Cody Y J.Reitman, escenas eliminadas, etc.

                                                                                        Carlota García Fernández.

  

Viagem a Portugal

                                                  Viagem a Portugal


    Se trata ésta de otra de las películas proyectadas en el recién finalizado Festival Internacional de Cine de Gijón. En este caso fue una de las participantes del ciclo "Rellumes", cuya característica principal es que a la salida del cine cada espectador puede votar el film apuntándola del 1 al 10. "Viagem a Portugal" fué la elegida por el público para ostentar el puesto ganador en el pasado palmares.

   Sergio Trefaut dirige en 2011 este film que pese a durar tan sólo 75 minutos, se trata del primer largometraje de ficción de un director proveniente del documental ("Lisboetas"2005"; "La ciudad de los muertos" 2009).

   El guión elaborado por el propio director narra una surrealista historia que, aunque pueda resultar inverosímil, está basada en una realidad cercana al propio Trefaut.

   María (María de Medeiros)  es una mujer ucraniana que viaja a Faro para reencontrarse con su marido( Makena Diop) , que por circunstancias de la vida se ha visto obligado a emigrar a Lisboa para ganarse la vida trabajando en la construcción de la Exposición Universal celebrada en la ciudad en el 98. Al llegar al aeropuerto de Faro para pasar las navidades, las autoridades aduaneras impiden su entrada en el país, a pesar de tener en su poder un visado de turista en regla. Con la falta de explicaciones y la dificultad para entenderse debido al idioma, comienza una auténtica pesadilla para la protagonista. Tratada como si fuese una delincuente es esposada y retenida en una celda sin motivo alguno. Pero esta situación no hará mas que empeorar cuando la inspectora de hacienda ( Isabel Ruth) encargada de su caso, descubre que el marido de María es de origen senegalés.

   De todos es conocido como tras los incidentes del 11S, todos los aeropuertos del mundo vieron intensificadas sus medidas de seguridad, a veces, llegando a puntos que rozan la ridiculez y el abuso de autoridad. Autoridad, que en muchos casos  como el que en el film se retrata, está ejercida por verdaderos ineptos faltos de cualquier atisbo de cultura, sentido común y humanidad, que confunden la seguridad de un país con estúpidos prejuicios raciales o culturales. 
  Así María y su marido llegan a ser tratados respectivamente de "puta y chulo", siendo en este caso, médicos ambos. María es presa de absurdos interrogatorios en un idioma que no comprende, de vejaciones psicológicas y físicas y que a punto están de poner en peligro su vida al negársele inyectarse insulina para la diabetes que sufre y siendo en cambio acusada de drogadicta.

    
   La película está íntegramente rodada en riguroso blanco y negro, lo cual facilita al espectador centrarse en la problemática personal de los protagonistas y que dota al anodino  aeropuerto, único escenario de toda la acción, de un carácter aún mas institucional, impersonal y lúgubre si cabe.

   Gran parte de la película se centra en los absurdos interrogatorios a los que ya hemos hecho mención, Para ello, el director duplica las escenas en las que tienen lugar los diálogos  entre  de ambos interlocutores, presentándonos en primer lugar un plano fijo de quien pregunta y posteriormente de quien responde, todo ello con intención de ponernos en ambos extremos, en ambas posiciones y hacernos pensar. 
    
   María de Medeiros, con una caracterización impecable  interpreta el papel con una severidad y credibilidad que traspasan la pantalla, al igual que ocurre con los papeles de su marido y de la inspectora. Tres personajes llenos de pequeños matices.

 Una película rodada con pocos medios y en pocas semanas con sencillez, sobriedad y muy muy, muy buen gusto, haciendo llegar al espectador la desesperación , la asfixia y la impotencia de la que los protagonistas son presa.

   En resumen, una muy buena película que de nuevo vuelve a cumplir una vez mas con esa premisa de "menos es mas" que tanto nos gusta.

The patience stone

The patience stone

Esta película fue, sin duda, una de las mayores sorpresas en la sección oficial del pasado Festival Internacional de Cine de Gijón, ya que, aparte de llevarse el beneplácito de gran parte del público que tuvo la oportunidad de verla, fue recompensada con los siguientes galardones: Mejor actriz, Premio a la mejor película por el jurado joven y el Premio a la mejor película por el jurado Fipresci (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica).

Esta obra es una coprodución entre Afganistán, Francia y Alemania, cuyo título original en Syngué sabour. El argumento (Golshifteh Farahani) es el siguiente: en un Afganistán en guerra una esposa tiene que cuidar de su esposo moribundo, debido a una herida en una reyerta, y de sus dos hijas pequeñas. La situación se torna absolutamente desesperada, lo cual hace que la mujer descargue dicha desesperación narrando, a su marido inconsciente, todos los secretos e insatisfaciones que se ha guardado dentro de sí toda su vida.

Todo el peso de la película lo lleva la bellísima actriz protagonista Golshifteh Farahani, la cual realiza largos soliloquios y soporta largos primeros planos durante los mismos, con una gran naturalidad. No se trata de una actriz en absoluto desconocida ya que cuenta en su currículum películas como "Red de mentiras" ("Body of lies" 2008, Ridley Scott), "A propósito de Elly" ("Darbareye Elly" 2009, Asghar Farhadi) o "Pollo con ciruelas" ("Poulet aux prunes" 2011, Vincent Paronnaud / Marjane Sartrapi). Como ya dijimos antes, su gran labor le hizo merecedora del premio a la mejor actriz en el pasado FICX.

El resto del reparto lo forman Hamid Djavadan como el marido de la protagonista, Hassina Burgan como la tía de la misma y Massi Mrowat como un soldado afgano que recala en la casa en la que yace el marido moribundo.

EL director de esta gran película es Atiq Rahimi, el cual es también el autor de la novela de éxito en la que se basa la película. Su labor es también notable, creando diferentes atmósferas a lo largo de la película según va evolucionando el personaje protagonista dentro de su semiencierro en su casa con su marido. Hay una escena que destaca por la similitud de la misma con las escenas a cámara lenta que creó con majestuosidad el director Wong Kar-Way para su obra maestra "Deseando amar" (In The mood for love, 2000). En dicha escena se ve a la protagonista arreglándose, con una luz muy ténue y acompañada de una música ligeramente similar a la utilizada por el director asiático en su película. Podéis revisar la crítica que hemos hecho de "Deseando amar" (in the mood for love) en la siguiente dirección: http://historiasdelceluloide.blogspot.com.es/2012/11/deseando-amar-in-mood-for-love.html

El guionista de este film es el veteranísimo Jean-Claude Carriere el cual colaboró con el gran director español Luis Buñuel en cuatro de sus películas, "Diario de una camarera" (1964), "Bella de día" (Belle de jour, 1967), "El discreto encanto de la burguesía" (1972) y "Ese oscuro objeto del deseo" (1977). Además, de entre su extensísima filmografía me gustaría destacar otras dos películas: "Valmont" (1989, Milos Forman) y la reciente "El artista y la modelo" (2012, Fernando Trueba). En esta ocasión firma el guión de la película a medias con el director de la misma que, como ya dijimos, es el autor de la novela original.

El título de esta película The patience stone (La piedra de la paciencia) alude a una fábula sobre una piedra mítica a la que puedes confiar todos tus secretos y preocupaciones, la cual, cuando has acabado de relatar dichos secretos, estalla liberándote de la presión que éstos ejercían sobre tu alma.

Otro aspecto destacable es que al prinicpio nos presenta una situación realmente dramática para esta mujer, ya que aparte de soportar continuos ataques y bombardeos sobre su casa, no tienen ni luz, ni agua en la misma y ni ella ni sus dos hijas tienen nada que comer. Además, en un primer momento, no hay nadie que les ayude a superar esta trágica situación, ya que como todas las mujeres árabes dependía por completo de su marido para salir adelante. Sin embargo, a medida que avanza la narración la situación se va tornando menos dura, a la vez que la protagonista libera su alma contándole a su marido secretos que, si éste estuviese sano, nunca se hubiese atrevido a revelar.

Sólo nos queda decir que os recomendamos que busquéis esta película porque realmente merece la pena disfrutar de ella, aunque me temo que no va a ser fácil poder localizarla en la mayoría de las ciudades. En Francia está previsto que se estrene en Febrero del 2013, mientras que en España será Golem la que se encargará de distribuir la película, pero de momento no disponemos de la fecha de su estreno.

Gabriel Menéndez Piñera



En un lugar solitario

En un lugar solitario

En una ocasión un amigo me preguntó cual es mi película favorita de todos los tiempos, no cual creía que era la mejor película de la historia, si no que cual era la que más me gustaba, con la que más disfrutaba y no me cansaba de ver. Pero no valía una de esas películas que tenemos mitificadas desde pequeños y que en realidad son bastante malas cinematográficamente hablando, tenía que ser una buena película en todos los sentidos. Creo que ya sabréis cual fue mi contestación, en efecto, fue esta maravillosa película que es "En un lugar solitario".



"En un lugar solitario" (In a Lonely Place) es una película de 1950 dirigida por Nicholas Ray para la productora de Humphrey Bogart "Santana". Está basada en la novela escrita por Dorothy B. Hughes en 1947, siendo adaptada para la pantalla por Andrew Solt y Edmund H. North. Los actores principales son Humphrey Bogart y Gloria Grahame en el que sin duda es el  mejor papel de la guapísima actriz.

El argumento es el siguiente: Humphrey Bogart es Dixon Steele, un guionista de Hollywood al que su excesiva personalidad y su mal carácter han hecho que no esté en su mejor momento personal y profesional.

Su agente,sin embargo, le consigue una nueva oportunidad, adaptar un best seller de éxito para que un estudio de Hollywood haga de ella un nuevo éxito de la fábrica de sueños. Al personaje de Bogart le parece tan malo el libro, que le pide a una chica del club nocturno donde ha ido esa noche, que le acompañe a su casa para que le resuma el argumento de la novela y así no tener que leerla entera. Sin embargo a la mañana siguiente la chica aparece muerta y Steele es el principal sospechoso, no obstante aparece un nuevo personaje que lo cambiará todo, se trata de Lorraine (Gloria Grahame) que declarará a la policía (mintiendo descaradamente) que ella vio como la chica se iba de casa de Bogart y éste, a continuación, se fue a dormir. Gracias a ello, Steele queda libre aunque seguirá siendo sospechoso del crimen. Mientras tanto Bogart y Grahame se enamoran aunque siempre con la sombra de la duda por parte de ella respecto al caracter violento del personaje de Bogart.

Me estoy imaginando que todos los que estéis leyendo este blog os estaréis preguntando por qué elegí esta película de las miles que he visto en mi vida. Las razones son varias y se pueden resumir así: es cine dentro del cine, es cine negro, sale Humphrey Bogart, sale Gloria Grahame, la dirige Nicholas Ray, es fruto de un estudio pequeño e independiente, los personajes secundarios están todos estupendos y, finalmente, te cuenta una historia, pero en realidad te quiere contar otras muchas cosas de forma casi subrepticia. Todo ello hace que dentro del cine clásico y en blanco y negro de Hollywood, sea una especie de pieza rara y quizá por ello, no tuvo en su día el éxito que, sin duda alguna, se merece.

El director, Nicholas Ray, era uno de los rebeldes de Hollywood de la época y en sus películas siempre aparecen personajes atormentados y con un carácter difícil. Poseedor de una de las filmografías más interesantes del final de la era dorada de Hollywood, destacaré algunas de sus mejores películas: "Los amantes de la noche" (They live by night, 1948), "LLamad a cualquier puerta! (Knock on any door, 1949), "La casa en la sombra" (On dangerous ground, 1951), "Johnny Guitar" (Johnny Guitar, 1954), "Rebelde sin causa" (Rebel without a cause, 1955), "Más poderoso que la vida" (Bigger than life, 1955), "Chicago años 30" (Party girl, 1958).

 Lo que hace esta película especial dentro de la filmografía de Ray, es que el rodaje se convirtió en una especie de catarsis personal para él y para los actores protagonistas. Me explico, Nicholas Ray estaba casado con la actriz principal de la película Gloria Grahame, y ésta, al igual que Lauren Bacall, la esposa de Bogart, estaba embarazada de pocos meses durante el rodaje de la película. Sin embargo la relación entreactriz y director se estaba rompiendo, llegando a separarse finalmente antes de acabar la película. Todo ello hace que mucho de lo que sentía Ray por esa época aparezca reflejado en el film, especialmente en la forma de ser independiente y de vuelta de todo del personaje de Gloria Grahame (que era la misma forma de actuar que tenía la actriz en su vida personal). Por si no fuera poco también hay mucho de Humphrey Bogart en el personaje que interpreta en la película, su humor socarrón, su tendencia a la bebida, su actitud violenta, etc. Como curiosidad, creo interesante añadir que la casa, de estilo español, en la que vive el personaje de Bogart, es una recreación en el estudio de la casa en la que vivió Nicholas Ray cuando llegó a Hollywood.

Una de los aspectos que más me llama la atención de la película es como al principio de la misma nos identificamos con Steele, pero según va desarrollando la misma es con el personaje de Lorraine con quien nos identificamos, ya que nos entran las mismas dudas que a ella respecto al personaje interpretado por Bogart. Respecto al resto de personajes, hay una relación excelsa de personajes secundarios excepcionalmente definidos e intepretados que van desde el agente de Steele, el viejo actor alcohólico, el productor, el amigo policía de Steele y su mujer, hasta la chica que aparece asesinada al principio de la cinta.

Otro de los aspectos destacables del film es la crítica despiadada al cine de Hollywood y su búsqueda de la comercialidad en sus películas, y no de algo diferente o artístico. Son varias las escenas en que se realiza dicha crítica pero una de las más destacables es cuando le dan al personaje de Bogart la novela a partir de la cual debe realizar el guión y le repiten constantemente que únicamente siga la novela, es decir, que no cree nada nuevo, ya que si la novela es un éxito, una película siguiendo los mismo patrones de la novela también lo será.
Otro momento memorable es cuando Bogart llama al productor de la película vendedor de palomitas porque todas sus películas son iguales y éste le replica que sí, que lo es, pero él al menos lo reconoce. Esa pequeña frase nos dice mucho del personaje principal, el cual sabe que en anteriores etapas de su vida como guionista se ha vendido, realizando malos guiones que sabía que tendrían éxito y eso le reconcome porque sabe que su talento puede crear cosas realmente buenas. Esta también es una de las causas de su resentimiento con la industria, a la cual no tiene ningún problema en atacar verbalmente a la mínima ocasión.

Todo lo que aparece en la película tiene varios sentidos, empezando por el título de la cinta. "En un lugar solitario" se refiere al lugar donde en teoría cometieron el asesinato (así lo menciona Bogart en una escena en casa de su amigo policía), pero en realidad nos remite a la soledad, la soledad del escritor cuando realiza su trabajo, la soledad del que es diferente a los demás y no quiere unirse al rebaño y la soledad del que no es amado. Así, una historia aparentemente sencilla, en realidad es un análisis de las diferentes personalidades dentro de un microcosmos como es el Hollywood de los años 50, recreándose especialmente en la personalidad "especial" de Steele y la crispación a la que se ve sometido al ser acusado del crimen.
Hay una frase que aparece varias veces en la película porque Steele la incluye en el guión que está escribiendo, pero que posteriormente también aplica en su relación con Lorraine. La frase es la siguiente: 

"Nací cuando ella me besó, morí cuando me abandonó, viví durante unas semanas mientras me amó".

Difícilmente se puede encontrar una frase que resuma mejor la necesidad de sentirse amado y aceptado por otra persona.
  
La película tiene un ritmo envidiable, a pesar de que no hay apenas una escena de acción en toda la película, pero la consecución de escenas brillantes con unos afilados (y muy, muy cínicos) diálogos es constante durante todo el metraje, llevándote a un final de los que te dejan con la boca abierta esperando a que no sea verdad que se haya acabado la película, que tiene que haber más celuidode oculto por algún lado, quieres más, mucho más porque te das cuenta que has visto una película irrepetible, diferente, genial.

Este final, es diferente al de la novela y fue improvisado por Nicholas Ray tras haber rodado el que estaba previsto y no quedar satisfecho con ese modo de acabar la película. Sin duda fue un momento de inspiración, ya que el final que quedó es realmente uno de los mejores finales del cine Hollywoodense.

En cuanto a como podéis verla, hay una edición en Dvd del año 2003 que no es fácil de conseguir pero que todavía existe en algunas páginas web. En ella hay un documental muy interesante presentado por Curtis Hanson (director, entre otras, de L.A. Confidential) en el que se habla de la película y otro, en que se explica su restauración.

Hay otra edición más reciente del año pasado en la que en un mismo estuche viene esta película y "Sin Conciencia" (The enforcer, 1951 Raoul Walsh-Bretaigne Windust)

Gabriel Menéndez Piñera