Lincoln

Lincoln

  "Sin conocer el pasado es imposible comprender el sentido verdadero del presente y los objetivos del futuro". Esta frase del escritor ruso Maxim Gorki resume perfectamente el objetivo del director Steven Spielberg al realizar esta película sobre los últimos meses de la vida del presidente Abraham Lincoln.

   Así, durante las dos horas y media que dura la cinta, se nos muestra los esfuerzos realizados por Lincoln para que se aprobase la enmienda a la constitución que aboliría la esclavitud, antes de que finalizase la guerra de secesión.  Esta urgencía se debía a que, el entonces presidente estaba seguro de que en cuanto acabase la guerra sería imposible que se aprobara dicha enmienda, debido al voto negativo de los estados del Sur. Sin embargo, estos esfuerzos implican dos cosas, que Lincoln se ve forzado a alargar la guerra innecesariamente con el correspondiente coste en vidas humanas y que las maniobras que realiza para conseguir los votos necesarios no son precisamente del todo legales. Todo ello conlleva un desgaste tremendo en la figura del presidente que se ve obligado a realizar estos actos, con el único fin de poder poner fin de una vez a la esclavitud de la raza negra.

   Sin embargo, hay bastante más detrás de las cortinas de esta película. Hay en ella una constante sensación de que Spielberg lo que está haciendo es indicarnos que el actual presidente Obama se parece mucho al entoces presidente Lincoln (el cual es el más venerado de los presidentes americanos hasta ahora). A ello ayuda saber que Spielberg donó el año pasado un millón de dólares a la campaña del actual presidente, lo cual demuestra claramente su predilección por el señor Obama. Por otra parte, esta película se presentó por primera vez al público en el New York Film Festival el pasado ocho de Octubre, es decir, en plena campaña para las presidenciales que se celebraron el seis de Noviembre. Posteriormente se estrenaría en los Estados Unidos el nueve de Noviembre, es decir, únicamente tres días después de las elecciones en las que Obama salió reelegido.

   Hay una escena nada más comenzar la película que ya nos presenta este reflejo que la película nos quiere mostrar. En ella dos soldados de color conversan con el presidente quejándose que en el ejército del Norte no hay oficiales de color. Uno de ellos le pregunta a Lincoln, "¿Cuantos años tendrán que pasar para que haya un capitán de raza negra? ¿20 años? ¿Y un coronel? ¿50 años? ¿y para que los negros podamos votar? ¿100 años?" Ahí se interrumpe la conversación pero todo el mundo sabe cual sería la siguiente pregunta que iba en esa serie ¿Cuantos años tienen que pasar para que haya un presidente negro? Spielberg inteligentemente omite la pregunta, pero todo el mundo la tiene en la cabeza en ese momento.

   Finalmente, la última analogía que nos presenta la película entre los dos presidentes es la siguiente: Lincoln intenta por todos los medios eliminar algo que, en su momento generó muchísima controversia como es la liberación de la raza negra y que, sin embargo, ahora nos parece una barbaridad que pudiese existir dicha esclavitud. Pues bien, ¿cual es el caballo de batalla del actual presidente  y que, según él, espera poner en marcha en la actual legislatura?, la creación de una sanidad pública gratuita especialmente para aquellos que no la pueden pagar. Algo que en la actualidad tiene todavía muchos detractores dentro de la política estadounidense, igual que en su momento los tuvo la supresión de la esclavitud. En ambos casos las razones para oponerse a estas cuestiones son de dos tipos: económicas y sociales.

  En cuanto a la película en sí, hay en ella dos cabezas cuyo trabajo está claramente diferenciado, éstas son Daniel Day-Lewis que da vida a Abraham Lincoln de una manera magistral y Steven Spielberg, que aparte de todo lo dicho anteriormente, realiza un trabajo sensacional en muchos aspectos.

  Respecto a Daniel Day-Lewis hay poco que yo pueda decir que no se haya dicho ya. Sólo resumiré su trabajo en una frase, "él es Lincoln", punto. Sólo me queda tener la oportunidad de ver la película en versión original para poder oir como transformó su acento londinense mezclado con irlandés del actor en un acento de Kentucky, de donde era originario Lincoln.
  A Lewis le acompañan en el reparto una serie de actores de gran calidad y prestigio. Sally Field acomete el papel de la esposa de Lincoln. David Strathairn se pone en la piel de William Seward, la mano derecha del presidente. Joseph Gordon-Levitt representa al hijo mayor de Lincoln y Tommy Lee Jones borda a Thadeus Stevens el diputado abolicionista radical que también tiene que tragar con lo que sea para conseguir el objetivo deseado. Además la nómina de secundarios se completa con actores de la talla de Hal Holbrook, John Hawkes, Tim Blake Nelson, Jared Harris o James Spader.

   Por otro lado, la labor de Spielberg, como ya he dicho, es muy destacable realizando, como es habitual en él, una dirección de estilo clásico, construyendo escenas de gran belleza y con una puesta en escena impresionante. Lo más destacable, en mi opinión, es conseguir que la película tenga un ritmo pausado pero fluido, y que a pesar de su larga duración no se haga pesada al espectador mínimamente interesado en lo que está viendo en la pantalla.

  Otro aspecto interesante de la labor del director es el manejo del fuera de campo, el cual destaca especialmente en las dos escenas más relevantes de la historia, la proclamación del resultado de la enmienda y el asesinato del presidente.

   Tecnicamente la película destaca en otro aspecto, éste es la fotografía, la cual se debe a Janusz Kaminski, habitual colaborador de Spielberg. Kaminski realiza un trabajo formidable construyendo auténticos retablos de la época y ayudando de gran manera a la gran ambientación histórica que posee la película. Especialmente destacable es la escena en la que el presidente y su esposa están en su palco del teatro disfrutando de una representación, la cual es visualmente de una belleza extraordinaria.

  La música corre a cargo del maestro John Williams, el cual ha realizado unas composiciones sencillas que acompañan de manera muy suave las melancólicas imágenes que vemos en pantalla. Se podría decir que la música de esta cinta está en las antípodas de las fanfarrias que tan  (merecidamente) famoso han hecho a este compositor.

  Me gustaría comentar que la figura de Abraham Lincoln ya ha sido contada en el cine en otras tres ocasiones: "Abraham Lincoln" (D.W. Griffith, 1930), "El joven Lincoln" ("Young Lincoln" John ford, 1939) y "Lincoln en Illinois" ("Abe Lincoln in Illinois" John Cromwell, 1940). En dichas películas el papel del presidente fue interpretado respectivamente por  Walter Huston, Henry Fonda (foto) y Raymond Massey. Por supuesto no incluyo en esta lista la otra película estrenada este año sobre Lincoln, "Abraham Lincoln: cazador de vampiros" ("Abraham Lincoln: vampire hunter" Timur Bekmanbetov, 2012) ya que no creo que dicha película merezca la menor consideración por mi parte.

  Para acabar, creo que se trata de una muy buena película, que no gustará a todo el público debido a su ritmo lento y a la abundancia de diálogos. Sin embargo es una obra muy completa, realizada por un director en plena madurez y que contiene una recreación de la época y del personaje difíciles de superar.

Gabriel Menéndez Piñera

The master

The Master

De todas los jovenes directores norteamericanos que despuntaron en los años 90 sólo hay, en mi opinión, dos que han llegado a cuajar como lo que son ahora, grandísimos directores y creadores dentro de lo que llamamos el arte cinematográfico. Uno de ellos es Darren Aronofski y el otro es el responsable de esta película, Paul Thomas Anderson.

"The master" (2012) es su última obra, la cual nos cuenta la reláción entre Freddie Quell (Joaquin Phoenix) un veterano de la Segunda Guerra Mundial psicótico, alcohólico y obsesionado por el sexo y Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), el cual es el gran pope de una especie de secta religiosa que está surgiendo en los Estados Unidos y que toma a Freddie como discípulo, intentando guiarle dentro de las directrices de su corriente existencialista. 

Lo primero que tengo que decir a la hora de valorar esta película es que antes de verla tenía unas expectativas altísimas respecto a ella, tanto por las anteriores películas de Anderson, como por todo lo que había oído de la crítica especializada. Sin embargo la película tiene un problema, te muestra únicamente parte de sus valores cinematográficos. Me explico, los dos actores principales, las dos cabezas visibles en la mayor parte del metraje, están simplemente sensacionales y la puesta en escena y dirección de Anderson son de lo mejor que he visto en toda mi vida. Sin embargo, estas escenas que representan los actores y que están tan bien dirigidas provienen de un guión excesivamente hermético, repetitivo en demasiadas ocasiones, en el que la historia fluye con cuentagotas y que, personalmente, no llega a enganchar en ningún momento.

Esto hace que haya salido del cine con un regusto amargo, pensando que he visto una de las mayores proezas cinematográficas que recuerde, pero que sin embargo, no he llegado a disfrutar con esta película a la que en todo momento parece que le falta algo. Todo ello ha conseguido que sea una cinta que tengo que volver a ver en unos meses, seguramente entonces pueda valorarla en su justa medida.

Lo primero que llama la atención de la película son las grandiosas actuaciones de la pareja protagonista, Joaquin Phoenix y Philip Seymour Hoffman. Resulta difícil imaginar a otros actores en semejantes papeles tras la exhibición que nos presentan ambos artistas. Y si bien es la primera vez que Phoenix actúa para Anderson, Hoffman es el actor fetiche del director ya que, excepto en "Pozos de ambición" ("There will be blood"; 2007), ha trabajado en todas las películas del mismo.

Además de los dos protagonistas hay que destacar la actuación de Amy Adams como Peggy, la mujer de Lancaster Dodd, la cual refleja muy bien la fingida sumisión que su papel, como mujer del gran hombre requiere.

Sin embargo, la aportación más importante de la película al arte cinematográfico viene de su director, Paul Thomas Anderson, el cual al igual que en sus anteriores películas realiza una labor para la que me faltan las palabras de elogio y, quizás, los conocimientos necesarios para poder juzgar convenientemente su labor. Si tengo que resumirlo en una única palabra sería la siguiente: maestría. Maestría para ejecutar los planos secuencia, para realizar una puesta en escena sencillamente gloriosa y para crear una ambientación y una atmósfera absolutamente realistas. Realismo que impregna toda la película y que nos recuerda en algunos aspectos a algunas películas del mítico director Erich Von Stroheim, en especial a su obra más recordada, "Avaricia" ("Greed" Erich Von Stroheim, 1924). Casualmente (o no), en ambas películas hay una escena que se desarrolla en el desierto de Arizona.

Todo ello nos lleva a pensar lo siguiente, ¿falla algo en esta película?. Pues sí, algo falla que hace que, en mi opinión, esta gran película no llegue a alcanzar la nota que por otros de sus aspectos merecería. Ese algo, como ya dije anteriormente es el guión, escrito por el propio director, el cual lastra el ritmo de la película en la mayor parte de sus 135 minutos de duración.

Otras películas de este gran director son: "Sidney" ("Sidnay", 1996), "Boogie nights" ("Boogie nights", 1997), "Magnolia" ("Magnolia", 1999) o "Pozos de ambición" ("There will be blood", 2007).

Uno de los aspectos que más me llamaron la atención fue el uso de la música, la cual, compuesta por Johnny Greenwood, ayuda a crear esa atmósfera desasosegante y ligeramente malsana de la película. Se trata de una música extraña, como un soniquete que se te mete en la cabeza y que a veces llega a tapar ligeramente los diálogos como reclamando su presencia dentro del film.

Otro aspecto que destaca, es ver reflejado en una película americana la vida supuestamente idílica del país tras la segunda guerra mundial, de una forma tan dura, perversa y real. Algo a lo que no hemos estado acostumbrados ya que casi todas las películas del Hollywood clásico de esa época (si exceptuamos las adscritas al género negro) nos han mostrado una Norteamérica cuyos habitantes vivían en una especie del jardín del Eden y en la que los veteranos de la segunda gran guerra se reincorporaban a sus vidas como si viniesen de una excursión por el campo, un poco más larga de lo habitual.

Todas las cualidades de esta obra no pasaron desapercibidas para el jurado del pasado Festival de Venecia, ya que le otrogó los premios al mejor actor (ex-aequo para los dos protagonistas) y al mejor director. Así mismo el jurado Fipresci le otorgó el premio a la mejor película en el mismo festival.

En definitiva, no es una película para pasar el rato, si no que se trata de una obra de arte cinematográfica que quizás, como muchas de las grandes obras, deba reposar unos cuantos años para que se la pueda valorar como se merece.

Gabriel Menéndez Piñera 

 



La parte de los ángeles

La parte de los ángeles

Ir a ver una película de Ken Loach es adentrarse en territorio de sobra conocido, por aquellos que nos gusta el cine que trata el realismo social en general y el de este director en particular. Así, "La parte de los ángeles" ("The Angels´ share", 2012) nos vuelve a mostrar a personajes de la clase social británica más baja, los cuales son maltratados por una sociedad que ni les quiere, ni les comprende.

El argumento nos cuenta la siguiente historia: Robbie (Paul Brannigan) es un veinteañero el cual ha sido condenado a realizar trabajos sociales por sus continuas peleas y destrozos, tanto a las personas como al mobiliario urbano. Además, no tiene trabajo y su novia Leonie (Siobhan Reilly) está a punto de dar a luz al hijo de ambos. Por si todo ésto fuera poco, la víctima de su última pelea le anda buscando para tomarse la revancha. En ese momento aparece en escena Harry (John Henshaw), el supervisor de los trabajos sociales, que en su tiempo libre se dedica a la cata de whisky y que acogerá a Robbie y a algunos de sus compañeros de condena, intentando que se conviertan en expertos catadores de whisky.

Los actores jóvenes que aparecen en la película son en su mayoría debutantes y su actuación en general es bastante simplona, siendo éste uno de los aspectos más flojos de la película. Sin embargo hay que decir en su favor que todos ellos afrontan sus papeles con mucha frescura y desparpajo. John Henshaw, eterno secundario del cine británico, realiza una actuación muy contenida en su papel de ángel custodio de estos jóvenes descarriados, que en realidad tienen menos malicia que un cervatillo.

El director, como dijimos al principio, es Ken Loach. El veterano director sigue fiel a su estilo conciso, sin ningún tipo de recargo formal, pero homogéneo de principio a fin. Así, nos presenta una historia dura, como casi todas las suyas, sin embargo en esta ocasión se va aligerando el peso del drama sobre los protagonistas y así la comedia (e incluso la aventura) va tomando el protagonismo de la cinta. A ello ayuda sin duda el tratamiento que Loach le da a los personajes, creando situaciones simpáticas que hacen crecer progresivamente la empatía con el espectador.

El guionista responsable de la historia es Paul Laverty, nacido en la India, lleva 15 años trabajando con Ken Loach. Así, son suyos muchos de los guiones correspondientes a las mejores películas del director. La historia creada por Laverty nos cuenta las dificultades que sufren la mayoría de los jóvenes de hoy en día para poder acceder a lo más básico, un trabajo, un piso decente, en fin, poder tener su vida propia.

Ken Loach conoció a Laverty durante el rodaje de "Tierra y libertad" ("Land and freedom", 1995), película del director que recrea la Guerra Civil Española y en la que Paul Laverty hacía su única aparición como actor en una pantalla de cine, haciendo el papel de joven miliciano. A partir de ahí su relación profesional no ha parado de crear muy buenas películas que han sido premiadas en la mayoría de festivales europeos.

Otras películas creadas por esta pareja escritor-director son las siguientes: "La canción de Carla" ("Carla´s song", 1996), "Mi nombre es Joe" ("My name is Joe", 1998), "Pan y rosas", ("Bread and roses", 2000), "Sweet sixteen" ("Sweet sixteen", 2002), "Sólo un beso" ("Ae fond kiss", 2004), "El viento que agita la cebada" ("The wind that shakes the barley", 2006), "Buscando a Eric" ("Looking for Eric", 2009).


El título de la película (La parte de los ángeles) hace referencia al porcentaje del whisky que, al envejecer dentro de la barrica de madera, se evapora de la misma cada año (un 2% aproximadamente). Este es un dicho muy popular en Escocia al referirse a esa parte que desaparece cada año de las barricas que contienen el whisky y que el director toma para sí de una forma muy pícara. Me explico, en la película se hace referencia a este dicho popular y como al envejecer el whisky e ir desapareciendo ese 2% anual el whisky se va haciendo más sabroso e intenso. Sin embargo, si nos fijamos en como tratan el director y el guionista a los personajes principales, nos daremos cuenta que el título hace referencia a ellos y como van a reclamar su parte de una barrica muy muy especial, aunque quizás ellos no se conformen únicamente con el 2% de la misma....

Sólo me queda decir que se trata de una película que nos presenta una situación dramática, pero que poco a poco se va tornando en una comedia no demasiado lograda, pero que nos arranca unas cuantas sonrisas. Sin embargo ésto hace que se quede a mitad de camino de ninguna parte, sin llegar a cuajar del todo ni la parte dramática, ni la cómica. No pasará a la historia del cine, pero se deja ver de forma agradable y, al igual que los buenos whiskys, nos deja un buen sabor de boca en el paladar. Eso debieron sentir el jurado del Festival de Cannes al otorgarle el premio del jurado, al igual que el público del pasado festival de San Sebastián que le concedió el premio del público a la mejor película europea.

Gabriel Menéndez Piñera

Una pistola en cada mano

Una pistola en cada mano

Será difícil que una película española (o de cualquier otro país) pueda repetir en mucho tiempo, un reparto tan bueno como el que nos presenta la última película hasta la fecha del director catalán Cesc Gay. En ella, además de poder asistir a un desfile de interpretaciones gloriosas, se disecciona sin piedad al cuarentón español de género masculino, el cual se encuentra en un momento de su vida en el que, por una razón o por otra, se encuentra totalmente perdido y sin nociones de lo que tiene que hacer para poder seguir adelante con su vida de una manera más o menos coherente.

La película está dividida en seis historias y en cada una de las cuales se nos presentan a dos personajes, los cuales establecen una conversación entre ellos mediante la cual se nos muestran las diferentes situaciones personales en que se encuentran cada uno de los integrantes de la narración.

1- Eduard Fernández y Leonardo Sbaraglia interpretan a dos antiguos amigos del instituto que llevan diez años sin verse y que se encuentran por casualidad. El personaje de Eduard es un fracasado, que sin embargo no tiene problemas para dormir por las noches, mientras que Leonardo da vida a alguien que lo tiene todo, pero que está pasando por una situación de angustia interior que no es capaz de controlar.

2-Javier Cámara y Clara Segura son un matrimonio divorciado, tras haber abandonado el personaje de Javier a su mujer por otra, y con un hijo pequeño que él lleva a casa de la madre. Allí se muestra arrepentido de lo que hizo y le propone a su mujer que le de otra oportunidad.

3-Luis Tosar y Ricardo Darín se conocieron de vacaciones en Mallorca el verano anterior y ahora se encuentran en un parque, uno paseando al perro de su ex-mujer y el otro espiando a su mujer ya que sabe que le está engañando con alguien que no sabe quien es, pero sabe donde vive, al lado del parque.

4-Candela Peña y Eduardo Noriega son compañeros de trabajo en un periódico, pero casi no se conocen. Sin embargo él de repente intenta ligar con ella a pesar de estar casado (o quizás a consecuencia de ello).

5-Alberto San Juan y Leonor Watling son amigos, más bien Alberto es amigo del marido de Leonor. Van a la misma fiesta y ella se ofrece a llevarle en coche. Por el camino Leonor le contará a Alberto aspectos de su vida conyugal que él desconocía por completo y que le sorprenden sobremanera.

6-Jordi Mollá y Cayetana Guillén Cuervo son las respectivas parejas de Alberto y Leonor los cuales se encuentran en una tienda de vinos de camino a la fiesta a la que también van sus parejas. Mientras caminan por la ciudad ella le contará que Alberto tiene un grave problema del que no se atreve a hablar con nadie.

Como ya comenté antes, el reparto es sencillamente sensacional y ver a dos de los mejores actores del mundo como son Luis Tosar y Ricardo Darín juntos en la misma escena es un placer para los sentidos. Sin embargo, si hubiese que destacar a alguien por encima del resto, me quedaría con la actuación de un Javier Cámara superlativo que irradia simpatía y patetismo a partes iguales.

El guión corre a cargo del director Cesc Gay junto con Tomás Aragay, los cuales elaboran una serie de historias en las que, si eres hombre de entre 36 y 50 años, es casi imposible que no te veas representado en alguna de ellas. El análisis sin piedad a que es sometido el género masculino genera momentos de variadas sensaciones en el espectador tales como la risa, la tristeza, la verguenza ajena, la empatía y sobre todo el ridículo. Sin embargo las cuatro mujeres que aparecen representadas en esta película se nos muestran como seres con mucha más personalidad, sin pelos en la lengua, que llaman a las cosas por su nombre y que dejan a sus compañeros masculinos en todo momento a la altura del barro. Quizá sea ésto lo que más me chirría de la película, ya que no creo necesario mostrarnos a las mujeres como seres tan perfectos como comparación a sus oponentes masculinos. Quiero decir que se puede mostrar a los hombres tal como son de imperfectos, sin necesidad de colocar a su lado a mujeres de las que no existen, para realzar el contraste.

La labor de Cesc, como director de la cinta, no se limita a controlar el trabajo de sus actores, si no que sabe crearnos en estos microrelatos unas situaciones en las que rápidamente conectamos con los personajes y sus tribulaciones personales. Además, como es marca de la casa, el estilo es sencillo y directo, sin filigranas estilísticas que puedan apartar la atención del espectador de lo que se está contando.

Otras películas de este director catalán son: "Krampack" (2000), "En la ciudad" (2003), "Ficción" (2006) y V.O.S. (2009). Precisamente el final de esta obra que estamos comentando se parece bastante al de "En la ciudad", siendo estas, según mi opinión, sus dos mejores películas.

Una frase que puede resumir el sentir de toda la película es la que aparece en la escena entre Eduard Fernández y Leonardo Sbaraglia cuando uno de ellos dice: "No nos dieron manual de instrucciones de la vida cuando éramos pequeños" y el otro responde: "No, que hijos de ....".

Resumiendo diremos que se trata de una buena película, de obligada visión para los que, como yo, nacimos en la década de los setenta. Sale bastante más barato ir al cine a verla que pagarse una sesión de psicoanálisis, eso seguro y además te ríes bastante viendo lo mal que hacemos las cosas los hombres cuando nos llega la fatídica crisis de los cuarenta. Para eso sí que nunca nos han dado lecciones, ahora, el que primero monte una academia que explique lo que hay que hacer en dicha situación, se forra.

Gabriel Menéndez Piñera

Recuerdo de una noche

Recuerdo de una noche

Nada mejor en estas fechas señaladas que ver una película clásica que te recuerde momentos de tu niñez. Si además la temática de la cinta es navideña, para que queremos más. Por ello, voy a comentar en esta ocasión una película que cumple estos dos requisitos, pero que será difícil que recordéis haberla visto porque se trata de una película que no se estrenó en su día en España y que rara vez la han puesto por televisión. La película en cuestión se llama "Recuerdo de una noche" ("Remember the night, 1940), dirigida por Mitchell Leisen e interpretada, en sus principales papeles, por Barbara Stanwyck y Fred MacMurray.

Empezaré comentando que se trata de una película navideña, pero a su manera, ya que se alternan en la historia los momentos cómicos, los románticos y los dramáticos, siendo tratados todos ellos con mucha frescura y espontaneidad.

La historia es la siguiente: Lee Lander (Barbara Stanwyck) es una ladrona de joyas que ha sido pillada con las manos en la masa en su último robo. Por ello es llevada a juicio frente al fiscal Jack Sargent (Fred McMurray), el cual, viendo como el abogado defensor está llevando al jurado a su terreno con una rocambolesca hipótesis, solicita un aplazamiento del juicio hasta después de las fiestas navideñas. Dicho aplazamiento es aceptado por le juez, lo que sin embargo ocasiona que Lee sea encarcelada hasta que se reanude la vista ya que no tiene dinero para pagar la fianza. Este hecho hace que el joven fiscal sienta remordimientos por lo que él mismo paga la fianza de Lee, la cual no tiene con quien pasar las navidades llevando ésto a que finalmente dos semidesconocidos emprendan juntos un viaje desde Nueva York hasta Indiana para pasar juntos las vacaciones en el hogar de la madre del fiscal.

El trabajo de la pareja protagonista es una de las claves que hacen que esta película me parezca tan sensacional, sobre todo hay que destacar que la química que desprenden cuando están juntos en la pantalla es realmente sensacional, conectando ambos personajes desde la primera escena. Dicha química propició que volviesen a formar pareja protagonista en otras dos grandes películas: "Perdición" (Double indenmity 1943, Billy Wilder) y "Siempre hay un mañana" ("There´s always tomorrow" 1956, Douglas Sirk). De todas formas, si me tengo que quedar con uno de ellos yo personalmente me quedaré siempre con Barbara Stanwyck, mi actriz preferida de siempre, la cual en esta ocasión como en tantas otras, llega a traspasar la pantalla provocando en el espectador una ganas tremendas de llevarse para casa al personaje que interpreta.

Como dije antes, la película está dirigida por Mitchell Leisen, director claramente a redescubrir, cuyo status dentro del universo clásico Hollywoodense siempre ha estado unos cuantos peldaños por debajo de lo que realmente merecen sus obras cinematográficas. Esta situación se ha debido sin duda a los ataques sufridos por parte de algunos de los guionistas que firmaron sus películas a finales de la década de los 30 y principios de los 40. Así, nombres como Billy Wilder, Charles Brackett o Preston Sturges juzgaron despectivamente en su momento lo que Leisen había hecho con sus guiones (mágnificos por otra parte).

Sin embargo, poco a poco, la obra de Leisen ha ido recibiendo el reconocimiento que se merecen unas películas en las que el romanticismo está siempre presente, siendo plasmado en sus películas de una forma sencilla, sensible, desplegando ante el espectador toda clase de recursos cinematográficos que le llevaron a crear un estilo propio repleto de sentimientos y emociones. 

Además este gran creador de emociones, fue también uno de los pilares de la Screwball comedy que tan popular fue en los Estados Unidos entre 1934 y 1944 creando algunas joyas no del todo reconocidas del género. Hablando de géneros, otro de las características de Leisen era el mezclar dos o tres dentro de la misma película, algo habitual hoy día, pero que en aquella época era algo que muy pocos se atrevían a hacer dentro de la maquinaria de Hollywood.

Otras grandes películas de este director son: "La muerte de vacaciones" ("Death takes a holiday", 1934), "Medianoche" ("Midnight", 1939), "Adelante mi amor" ("Arise my love", 1940), "Si no amaneciera" ("Hold back the dawn", 1941), "La vida íntima de Julia Norris" ("To each his own", 1946) o "Mentira latente" ("No man of her own", 1950).

Si la labor de actores y director es encomiable, no podemos decir menos del autor del guión. El responsable de esta labor fue el gran guionista y posteriormente genial director Preston Sturges, el cual crea un guión memorable, en el que los diálogos se incrustan perfectamente en la historia, y siendo los responsables de gran parte de la empatía que el espectador siente hacia los dos protagonistas. No es de extrañar que poco después de escribir este guión, se decidiera a dar el salto a la dirección, creando algunas obras maestras del cine clásico norteamericano. Pero de ese tema hablaremos próximamente en otra entrada del blog.

En fin, poco más puedo decir de esta película, sin destriparos el argumento (por ello no os pongo el trailer de la peli, ya que aparte de ser bastante malo, nos cuenta demasiadas cosas), por lo que lo único que me queda por hacer es recomendaros que intentéis verla. Yo la descubrí un poco por casualidad hace unos seis años y desde entonces la he visto cuatro veces ,disfrutando cada visionado como si fuera el primero.

Se puede conseguir en formato Dvd, por lo que no hay excusas para no disfrutar de esta maravillosa película que siempre te deja un gran sabor de boca cuando acabas de verla.

Gabriel Menéndez Piñera

La vida de Pi

 

La vida de Pi

Es ésta sin duda una de las adaptaciones literarias a la gran pantalla más complicadas de todas las que se han realizado en los últimos años. De esta forma han tenido que pasar casi diez años y unos cuantos directores antes de que este ambicioso proyecto pudiese llegar a alguna parte. Finalmente ha sido el director Taiwwanes Ang Lee el que nos presenta la versión cinematográfica de "La vida de Pi", la novela del escritor Yann Martel que ya ha vendido más de siete millones de ejemplares.

La historia es la siguiente, en una ciudad de la India vive la familia Patel, compuesta por el patriarca Santosh (Adil Hussain), la madre Gita (Tabu) y sus dos hijos: Piscine (al que todos llaman Pi) y Ravi (interpretado por varios actores según la edad). Esta familia se encarga de supervisar un zoo, pero llegado un momento el padre cree que deben vender el zoo y mudarse a Canadá en un barco llevandose consigo los animales. Durante el trayecto se desencadena una tormenta que origina el hundimiento del barco salvándose en una barca únucamente Pi Patel y cuatro animales: un tigre, un orangután, una cebra herida y una hiena. La narracción de la historia corre a cargo del mismo Pi Patel ya adulto (Irrfan Khan) el cual le cuenta lo que ocurrió a un periodista (interpretado por Rafe Spall).

Si hay que destacar alguna actuación es la del debutante Suraj Sharma, que hace el papel de Pi cuando ocurre el naufragio y lo que viene a continuación (es decir, la mayor parte del metraje de la película). Su labor es meritoria ya que se pasa la mayor parte del tiempo hablando solo o hacia algo inexistente, ya que el tigre que le acompaña en la balsa así como la mayoría de los animales que aparecen en la película están creados por ordenador.

Sin embargo lo más llamativo de esta película es la búsqueda constante de planos preciosistas, los cuales, por otra parte, debido al exagerado uso de las técnicas digitales, parecen absolutamente irreales. Esto hace que lo que podía ser uno de los puntos fuertes de la cinta llegue a convertirse en una rémora para la misma.

No estoy diciendo que no haya planos muy bonitos, especialmente en la primera mitad de la historia, si no que llega un momento que de tanto usar el croma y los efectos digitales, éstos pierden su fuerza y se les acaba viendo el truco.

Como dije al principio el director es Ang Lee, un director que me gusta mucho, pero que sin embargo me cuesta valorar su trabajo en esta película. A su favor hay que decir que hay unos cuantas escenas muy bien planificadas en las que no sólo destaca la vistosidad de la imagen, si no también la colocación de la cámara y la profundidad de la toma. Sin embargo esta es una película que destaca sobre todo por la historia que nos cuenta y por los medios digitales con los que se ha podido llevar a cabo, cosa impensable hace diez años, por lo que la labor del director Taiwanes, mejor o peor, queda bastante diluida.

Otras películas de Ang Lee son: "El banquete de boda" ("Xi Yan", 1993), "Comer, beber, amar" ("Yin shi nan nu", 1994), "Sentido y sensibilidad" (Sense and sensibility, 1995), "Tigre y dragón" ("Wo hu cang long", 2000), "Brokeback Mountain" (2005) o "Deseo, Peligro" ("Lust, caution", 2007).

El guión es obra de David Magee, el cual adapta el libro de Yann Martel, éste fue rechazado por unas cuantas editoriales antes de convertirse en un gran éxito de ventas. Durante los anteriores intentos de llevar a cabo esta historia a la pantalla se hicieron varias adaptaciones del libro, una de ellas fue realizada por el director M. Night Shyamalan en su intento de convertir el libro en película. Sin embargo decidió abandonar el proyecto para llevar a cabo "La joven del agua" ("Lady in the water", 2006). Otros directores que intentaron llevar "La vida de Pi" a la pantalla sin éxito fueron Alfonso Cuarón y Jean-Pierre Jeunet.

Una nota curiosa: el papel del reportero que interpreta Rafe Spall, lo había realizado en un primer momento Tobey Maguire, sin embargo Ang Lee decidió posteriormente eliminar la actuación de Maguire y rodar de nuevo todas las escenas en que aparecía. Por lo visto Lee creía que la presencia del famoso actor norteamericano interrumpía el fluir narrativo del personaje.

Se trata de una historia muy espiritual, ya que el personaje principal es correligionario de todas las creencias existentes en el planeta. Ello hace que se cree una barrera entre el personaje y los espectadores no creyentes y le da un tono a la película de fábula que no le beneficia en absoluto. Sobre todo teniendo en cuenta el giro argumental que ocurre al final de la película.

En cuanto a los efectos especiales y el 3D decir al respecto que ambos están muy bien realizados, sobre todo los animales que acompañan a Pi en su naufragio. Mención especial merece el tigre, ya que realmente han hecho un gran trabajo en la creación de este animal mediante efectos digitales. Sin embargo, el hecho de que salga en tantas escenas da lugar a que se llegue a notar claramente el artificio. Además, hay dos escenas que llegan a resultar ridículas tanto en el fondo como en la forma, una es la escena de la ballena y otra es en la que arrivan en una isla, la cual no es lo que parece.

En definitiva, no nos ha acabado de convencer esta vida de Pi, quizás es demasiado espiritual para los tiempos que corren, quizás el excesivo uso de los efectos digitales en una película dramática hace que ésta pierda su fuerza o quizás es que últimamente he visto demasiadas películas bastante mejores que ésta.

Gabriel Menéndez Piñera

About the pink sky

About the pink sky

Esta fue la película elegida por el jurado internacional del 50 Festival Internacional de Cine de Gijón, celebrado el pasado mes de Noviembre, para llevarse el premio a la mejor película. Se trata de una película japonesa cuyo título original es "Momoiro sonao".

El argumento es el siguiente, una adolescente llamada Izumi se encuentra en la calle una cartera llena de dinero. Tras pensarse mucho que hacer con ella, decide devolvérsela a su dueño, pero antes coge parte del dinero para prestárselo a un amigo adulto que lo necesita. Cuando Izumi y sus dos amigas Hasumi y Kaoru van a devolver la cartera a su dueño resulta que éste es un guapo adolescente que les causa gran impresión. Este, al ver que falta dinero de la cartera, les propone que le echen una mano en una tarea un poco especial. Les pide que creen un periódico que tenga únicamente buenas noticias para que lo pueda leer un amigo suyo que está enfermo en el hospital y así recupere las ganas de vivir.

Los 4 adolescentes que protagonizan la cinta son debutantes, sin embargo cumplen bastante bien su cometido, especialmente Ai Ikeda en su papel de Izumi, la protagonista. Los otros actores son: Tsubana Takayama como Sato, el dueño de la cartera, Ena Koshiro en el papel de Hasumi y Reiko Fujiwara en el papel de Kaoru.

El director es Keiichi Kobayashi, el cual debuta también en la dirección con este largometraje del cual es así mismo también autor del guión. Su labor es bastante buena en ambos aspectos creando una película en la que se mezcla lo viejo y lo nuevo de forma constante y en la que el uso del sonido hace que éste se convierta en uno de los protagonistas. Así, en una de las primeras escenas vemos a Izumi leyendo el periódico y puntuando de forma negativa cada noticia mala que lee y de forma positiva las noticias buenas. En esta escena el ruido que meten las hojas del periódico se hace insoportable debido a la cantidad de malas noticias que trae, las cuales son las responsables de dicho estress sonoro. Sin embargo cuando Izumi y sus amigas crean el periódico sólo con buenas noticias éste no genera nada de ruido al leerlo.

Otro de los aspectos que destaca es la ausencia total de música a lo largo de la película, recordando a algunas de las películas japonesas de la decada de los 30 que se hacían de esta manera (de nuevo lo viejo y lo nuevo) y que hace que el uso del sonido sea aún más llamativo. El hecho de que la película esté rodada en blanco y negro aumenta ese sabor a añejo, el cual choca sin embargo con el hecho de que la película esté rodada en su totalidad desde el punto de vista de los adolescentes protagonistas, de tal forma que sus padres no aparecen ni una sóla vez durante el transcurso de los acontecimientos. Así mismo la aparición de personajes adultos es meramente testimonial.

En definitiva, creo que esta película supone un buen debut para su director, el cual ha hecho una obra bastante original, llena de simbolismos y contrastes. Sin embargo, también pienso que ha habido películas en esta edición del FICX superiores y con más méritos para llevarse el máximo galardón del festival. Pero esta es la grandeza del cine.

Gabriel Menéndez Piñera

The patience stone

The patience stone

Esta película fue, sin duda, una de las mayores sorpresas en la sección oficial del pasado Festival Internacional de Cine de Gijón, ya que, aparte de llevarse el beneplácito de gran parte del público que tuvo la oportunidad de verla, fue recompensada con los siguientes galardones: Mejor actriz, Premio a la mejor película por el jurado joven y el Premio a la mejor película por el jurado Fipresci (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica).

Esta obra es una coprodución entre Afganistán, Francia y Alemania, cuyo título original en Syngué sabour. El argumento (Golshifteh Farahani) es el siguiente: en un Afganistán en guerra una esposa tiene que cuidar de su esposo moribundo, debido a una herida en una reyerta, y de sus dos hijas pequeñas. La situación se torna absolutamente desesperada, lo cual hace que la mujer descargue dicha desesperación narrando, a su marido inconsciente, todos los secretos e insatisfaciones que se ha guardado dentro de sí toda su vida.

Todo el peso de la película lo lleva la bellísima actriz protagonista Golshifteh Farahani, la cual realiza largos soliloquios y soporta largos primeros planos durante los mismos, con una gran naturalidad. No se trata de una actriz en absoluto desconocida ya que cuenta en su currículum películas como "Red de mentiras" ("Body of lies" 2008, Ridley Scott), "A propósito de Elly" ("Darbareye Elly" 2009, Asghar Farhadi) o "Pollo con ciruelas" ("Poulet aux prunes" 2011, Vincent Paronnaud / Marjane Sartrapi). Como ya dijimos antes, su gran labor le hizo merecedora del premio a la mejor actriz en el pasado FICX.

El resto del reparto lo forman Hamid Djavadan como el marido de la protagonista, Hassina Burgan como la tía de la misma y Massi Mrowat como un soldado afgano que recala en la casa en la que yace el marido moribundo.

EL director de esta gran película es Atiq Rahimi, el cual es también el autor de la novela de éxito en la que se basa la película. Su labor es también notable, creando diferentes atmósferas a lo largo de la película según va evolucionando el personaje protagonista dentro de su semiencierro en su casa con su marido. Hay una escena que destaca por la similitud de la misma con las escenas a cámara lenta que creó con majestuosidad el director Wong Kar-Way para su obra maestra "Deseando amar" (In The mood for love, 2000). En dicha escena se ve a la protagonista arreglándose, con una luz muy ténue y acompañada de una música ligeramente similar a la utilizada por el director asiático en su película. Podéis revisar la crítica que hemos hecho de "Deseando amar" (in the mood for love) en la siguiente dirección: http://historiasdelceluloide.blogspot.com.es/2012/11/deseando-amar-in-mood-for-love.html

El guionista de este film es el veteranísimo Jean-Claude Carriere el cual colaboró con el gran director español Luis Buñuel en cuatro de sus películas, "Diario de una camarera" (1964), "Bella de día" (Belle de jour, 1967), "El discreto encanto de la burguesía" (1972) y "Ese oscuro objeto del deseo" (1977). Además, de entre su extensísima filmografía me gustaría destacar otras dos películas: "Valmont" (1989, Milos Forman) y la reciente "El artista y la modelo" (2012, Fernando Trueba). En esta ocasión firma el guión de la película a medias con el director de la misma que, como ya dijimos, es el autor de la novela original.

El título de esta película The patience stone (La piedra de la paciencia) alude a una fábula sobre una piedra mítica a la que puedes confiar todos tus secretos y preocupaciones, la cual, cuando has acabado de relatar dichos secretos, estalla liberándote de la presión que éstos ejercían sobre tu alma.

Otro aspecto destacable es que al prinicpio nos presenta una situación realmente dramática para esta mujer, ya que aparte de soportar continuos ataques y bombardeos sobre su casa, no tienen ni luz, ni agua en la misma y ni ella ni sus dos hijas tienen nada que comer. Además, en un primer momento, no hay nadie que les ayude a superar esta trágica situación, ya que como todas las mujeres árabes dependía por completo de su marido para salir adelante. Sin embargo, a medida que avanza la narración la situación se va tornando menos dura, a la vez que la protagonista libera su alma contándole a su marido secretos que, si éste estuviese sano, nunca se hubiese atrevido a revelar.

Sólo nos queda decir que os recomendamos que busquéis esta película porque realmente merece la pena disfrutar de ella, aunque me temo que no va a ser fácil poder localizarla en la mayoría de las ciudades. En Francia está previsto que se estrene en Febrero del 2013, mientras que en España será Golem la que se encargará de distribuir la película, pero de momento no disponemos de la fecha de su estreno.

Gabriel Menéndez Piñera



God Bless America

                                                  God Bless America

   Seguimos repasando algunas de las películas que mas han llamado nuestra atención a lo largo de este último Festival Internacional de Cine de Gijón. En este caso se trata de una de las cintas participantes en la sección Géneros Mutantes.
   "God Bless America" es una comedia "muy" negra dirigida en 2011 por Bobcat Goldthway, un polifacético personaje (actúa, dirige, compone, dobla y escribe) conocido por su papel de "Zed" en varias de las entregas de "Loca Academia de Policía" .


   Frank (Joel Murray) es un hombre al que la vida se empeña en maltratar con unos vecinos molestos, un  trabajo en un cubículo rodeado de cretinos, una exmujer que malcría a su hija y fuertes migrañas que le aquejan y obligan a pasar las noches imsomne frente al televisor "zapeando" todo tipo de "telebasura", que incluye un programa de "talentos" llamado             "American Superstarz", donde se ridiculiza a un participante que sufre una discapacidad mental. Para colmo Frank posee "cerebro", lo que le hace totalmente consciente del mundo que le rodea.

   Un día Frank es despedido acusado de acosar a una compañera de trabajo con la que tan sólo pretendía ser amable y su indiferente médico le diagnostica un tumor cerebral terminal. Su primer impulso es acabar con su miserable vida, pero viendo un reality protagonizado por una consentida y exasperante niña, decide hacer una última "buena acción" antes de morir y acabar con la vida de Chloe, que así se llama . Mientras comete dicho asesinato, Frank contará con una observadora de excepción, Roxy (Tara Lynne Barr), una compañera de escuela de la víctima que aplaudirá su hazaña y que con gran entusiasmo le instará a seguir en el "buen camino", librando al mundo de "gente tóxica". Así, juntos comienzan un viaje en coche, pistola en mano, con la intención de liberar a la humanidad de fans de "Crepúsculo", actores de "Glee", "Diablos Codys", homófobos, pederastas, fanáticos políticos conservadores y toda una "troupe" de indeseables.

    En un tono entre la comedia y el thiller, discurre esta película llena de referencias y críticas a la cultura "Pop" estadounidense, que por otra parte, bien se podría extrapolar a la española; cambiemos "Chloe" por " Belén Esteban" y "American Superstarz" por "Gran Hermano", "Operación Triunfo", "Tú si que vales" o "Sálvame" y "voila". 

"¿Por qué tener una civilización si ya no estamos interesados en ser civilizados?"

  Con una estructura y un montaje totalmente clásicos para una película de tintes claramente alternativos,"God Bless America" se impone como una respuesta original e incisiva a la sociedad actual. El guión viene de la mano del propio director y se encuentra plagado de potentes  monólogos cargados de ironía y raciocinio que nos llevan verdaderamente al terreno de los protagonistas, llegando a caricaturizar y a justificar algo que en si mismo es un acto tan reprochable como un asesinato. Así, le perdonamos pequeñas y grandes incongruencias en el desarrollo del film que chirrían bastante, sobre todo cuando nos acercamos al final.

   Una fantástica banda sonora, obra original del compositor Matt Kollar, contribuye a la cordura e ingenuidad de la que en ningún momento adolece el film. Para todo lo demás la cinta está plagada de temas del cantante Alice Cooper del que Roxy se confiesa profesa admiradora, así como temas tan distintos como "Let´s Get Away for It all"de Rosemary Cloney (para quienes no lo sepan, comentar como curiosidad que se trata de la tía del archiconocido "George" y cuya música adoro), "I´m Not Like Everybody Else" interpretada por The Kinks y también por The Chocolate Watchband, "Beat the Devil´s Tatoo" de Black Rebel Motorcycle Club  o "It´s Oh So Quiet" de Betty Hutton.


  Una extraña pareja a lo "Bonnie & Clyde" a los que director nos presenta como héroes. Sin embargo a medida que avanza el film, llama la atención cómo no duda en ir despojándolos de esos valientes atributos, dejando ver el lado débil y humano de cada uno de ellos y demostrando valores o la falta de ellos, por los que sin embargo ambos están dispuestos a matar. 

   La solvencia con la que ambos actores se desenvuelven en sus papeles  aporta al largometraje un punto tragicómico muy especial y que nos hace oscilar entre la sonora carcajada y la profunda reflexión. La frescura y jovialidad que Tara Lynne Barr infunde a Roxy se equipara a la perfección con la madurez y sobriedad de Frank, ambas personalidades se fundirán finalmente en un apoteósico final.

  Podemos encontrarla editada en DVD y BluRay , así que no perdáis la oportunidad de verla, a buen seguro os hará pasar un buen rato.


                                                                                                          Carlota García Fernández.

   

The sessions

The sessions

Es ésta, sin duda, una película especial, con una historia emotiva contada con mucha gracia y con unos personajes principales, a los que todos quisiéramos tener como amigos y compañeros en nuestras propias vidas.

Tras su triunfal paso por los festivales de Sundance (premio del público a la mejor película y premio al mejor reparto) y San Sebastián (Premio del público), pudimos ver esta película el pasado día 17 de Noviembre en el Festival Internacional de Cine de Gijón. Se emitió dentro del ciclo Esbilla (lo mejor de otros festivales) en una sala abarrotada por más de 300 personas en un único pase.

El argumento, basado en una historia real, es el siguiente: Mark O´Brien (John Hawkes) es un escritor y poeta el cual está enfermo de polio desde los ocho años. Esto hace que tenga que estar anclado a un pulmón de acero la mayor parte del día y que lo único que pueda mover de su cuerpo sea la cabeza. Debido a su incapacidad le encargan escribir un reportaje sobre el sexo en las personas discapacitadas, y es debido a ello, que se da cuenta que el resto de personas discapacitadas disfrutan de una vida sexual, mientras que él a sus treinta y seis años no lo ha probado en su vida. Por ello, como católico convencido, le pide consejo a su párroco el Padre Brendan (William H. Macy) el cual, pese a un recelo inicial, acabará apoyando a su feligrés más especial. Para conseguir su cometido Mark se pondrá en contacto con Cheryl (Helen Hunt), una profesional especializada en este tipo de cometidos. Sin embargo las cosas no van a resultar fáciles para ninguno de los dos.

No resulta fácil explicar la magia de la película, quizá ésta sea el mostrarnos una temática inusual como es el sexo de los discapacitados, bajo una historia trágica, pero a la vez romántica y con un tono humorístico sensacional. A ello hay que sumar unos personajes de los que se visten por los pies, interpretados por un elenco en estado de gracia y unos diálogos afilados como en los mejores tiempos del screwball.

Centrándonos en el reparto hay que decir que el mayor mérito se lo lleva John Hawkes como protagonista del film, el cual le da una gran personalidad a este Mark O´Brien que es un prodigio de simpatía, a pesar de su situación y que nos da mucho en que pensar una vez salimos de la sala. Al lado de John Hawkes hay que poner a una Helen Hunt a la que echábamos mucho de menos verla en un papel de carácter como es esta Cheryl que nos muestra a una mujer con las cosas muy claras y que sin embargo se verá sorprendida por la maravillosa personalidad de su cliente. Junto a ellos está el actor americano roba escenas por excelencia del cine actual, el señor William H.Macy, el cual nos vuelve a mostrar su talento para crear personajes simpáticos para el público. Sin embargo no sólo los tres actores principales están estupendos, sino que los secundarios que forman la cuadrilla de enfermeros de Mark O´Brien destacan igualmente. Sobre ellos yo destacaría la labor de Moon Bloodgood, en el papel de Vera, ya que aguanta perfectamente el tipo rodeada de los tres actores principales, lo cual no es fácil ni mucho menos.

El director es el Norteamericano Ben Levin, el cual es el encargado también del maravilloso guión de la película. Si bien su labor como director no es especialmente resaltable (salvo por la dirección de actores), su labor como guionista en este film es de los que merecen premios, siendo una de las razones por la que esta película es del agrado del gran público. En este guión destacan (como ya mencioné anteriormente) los diálogos, cargados de humor y de réplicas acertadísimas entre los personajes.

Así mismo es una gozada ver como se intercalan momentos que son claramente de ficción cinematográfica,con aspectos reales de la vida de Mark O´Brien, como sus graves problemas de salud o los poemas que iba escribiendo según iba avanzando en su objetivo de llegar a la madurez sexual.

Para acabar, creo que es una película altamente recomendable para todo el mundo, especialmente para aquellos que tengan a su cargo a una persona joven con algún tipo de discapacidad física. 

En España tiene previsto estrenarse en salas comerciales el día 21 de Diciembre, esperemos que llegue a todas las provincias y no se quede únicamente en un estreno en las cuatro principales ciudades.

Gabriel  Menéndez Piñera