A Roma con amor

 

A roma con amor

El pasado domingo 23 de Septiembre, cumplí con una tradición que llevo celebrando desde hace unos 18 años, ver la nueva película de Woody Allen en el cine. La película en cuestión lleva por título "A Roma con amor" (To Rome with love, 2012) y supone la cuadragésimosegunda obra de Allen en 43 años de carrera (sin contar las dos TV movies que hizo en su momento). Me gustaría recalcar este hecho antes que nada, estamos hablando de un genio de 76 que lleva un montón de años haciendo una película cada año, muchas de ellas verdaderas obras de arte, por lo que veo injusto la posición de parte de la crítica especializada que no ha dudado en atacar ésta y otras películas dirigidas por el señor Allen en los últimos años.

Sobre la película que nos ocupa, lo primero que hay que decir es que el argumento está dividido en cuatro historias independientes entre sí y que se van desarrollando simultáneamente en la pantalla, recordándonos aquellas comedias episódicas italianas de los años 60. Sin embargo dos de estas historias en mi opinión son bastante flojas respecto a las otras dos, por ser básicamente puras y simples farsas, por lo que la película se resiente bastante cuando relata estas dos historias inferiores.

Como suele ser habitual en el cine de Woody Allen, la nómina de actores que participan en esta obra es larguísima, estando formada principalmente por el propio Allen, acompañado de Judy Davis, Alec Baldwin, Jesse Eisenberg, Ellen Page, Penélope Cruz, Roberto Benigni, Allison Pill, Greta Gerwig, Alessandra Mastronardi, Ricardo Scammarcio y, en un papel mínimo, Ornella Muti.

Intentaré resumir brevemente cada una de las cuatro historias. En una de ellas, un matrimonio norteamericano, formado por Woody Allen y Judy Davis, viaja a Roma para conocer al novio de su hija y a sus padres. Es ésta, sin duda, la más cómica de las cuatro historias, ya que el futuro consuegro del personaje de Allen se dedica a las pompas fúnebres, lo que dará pie al americano a introducir unos cuantos gags sobre uno de sus temas preferidos, la muerte. En otra de las historias, un simple ciudadano medio (Roberto Benigni), pasa a ser famoso de un día para otro y sin que haya ninguna razón para ello con las consiguientes ventajas y desventajas que esto conlleva. La siguiente historia trata sobre uno jóvenes de pueblo recién casados que llegan a Roma con la esperanza de que unos familiares del novio le consigan un buen trabajo en la capital. Sin embargo nada más llegar ella se pierde por las calles de Roma y él tiene que recurrir a una prostituta (Penélope Cruz) para que se haga pasar por su esposa ante sus rígidos familiares. Finalmente, llegamos a la que, en mi opinión, es la historia que más pertenece al universo del director. En ella un arquitecto americano (Alec Baldwin), que en su juventud había vivido en Roma y que ahora está visitando de nuevo la capital italiana, conoce a un joven estudiante de arquitectura (Jesse Eisenberg), que vive cerca de donde él vivía y que conoce a una amiga de su novia (Ellen Page) que le creará muchas dudas, lo que le hará recordar al maduro arquitecto su época de juventud y sus problemas amorosos.

Es esta última historia, la que está mejor realizada de las cuatro y nos recuerda al Ingmar Bergman de "Fresas salvajes" (Smultronstallet, 1957 Ingmar Bergman), uno de los directores al que Woody Allen más veces ha homenajeado en su ya extensísima filmografía.

Como en casi todas las películas de Woody Allen, la música tiene un papel importante. En este caso, como no podía ser de otra manera, las piezas musicales que acompañan la película son de procedencia italiana, apareciendo temas populares como "Volare" o "Arrivederci Roma". Así mismo la ópera italiana tiene su protagonismo con temas de las óperas "Tosca", "Turandot", "La Traviata" y "Pagliacci". Además, acompañando a gran parte del metraje, suena una melodía muy simpática y pegadiza que recuerda a las que aparecían en las películas de Alvaro Vitali de finales de los 70 y principios de los 80.

La película tiene unos cuantos momentos muy graciosos y alguna que otra escena realmente bien rodadas, sin embargo el conjunto total de la película no acaba de funcionar del todo. La historia de Benigni, no da para mucho y sin embargo se alarga considerablemente, mientras que nos gustaría que la de los dos arquitectos, interpretada por Alec Baldwin y Jesse Eisenberg, durase mucho más. Es algo que pasa habitualmente en este tipo de películas en forma de episodios, en las que casi siempre hay un relato más flojo que estropea el conjunto de la obra.

Otro aspecto que no me acaba de convencer es el montaje, la interacción entre las historias se muestra atropelladamante, con cortes bruscos de una historia a otra. Además alguna escena, principalmente en la historia de Begnini, resulta demasiado artificial sin ningún sentido de la realidad. Además, mientras veía la película, eché de menos alguna de esas maravillosas tomas panorámicas con las que siempre nos ha obsequiado este director. No es que no haya esas tomas, pero no son tan buenas como suelen ser en el resto de sus películas. De todas formas, la película sí tiene algo fundamental en las películas de Allen, ese "algo" especial que no se como describir, se podría llamar encanto o algo similar, pero hace que te de igual lo que pase en la pantalla, tú estás sentado en el cine, mirando a la pantalla y disfrutando del momento.

En definitiva, no es de las mejores películas de Woody Allen, más bien es una de las diez peores, sin embargo sigue siendo Woody Allen, eso debería bastaros para ir a verla. A mí me basta con eso y con pensar que tenemos la oportunidad de ver en el cine, en el momento de su estreno,  las películas de uno de los mayores genios que ha dado el arte del cinematógrafo. Nuestros hijos nos envidiarán por ello, de eso ´podéis estar seguros.

Gabriel Menéndez Piñera

 



La ventana indiscreta

                                          La Ventana Indiscreta.

      No hace mucho, mi compañero Gabriel nos hablaba de "Vértigo", con motivo de la publicación de una lista de las mejores películas que ésta encabezaba.  Hoy me gustaría hablar de otra de las grandes obras maestras de Alfred Hitchcock, como es "La ventana indiscreta" ("Rear Window") de 1954, con motivo del 30 aniversario del fallecimiento de su protagonista, Grace Kelly, a la que adoro y por qué no decirlo, porque es una de mis películas favoritas.

    Jeff es un periodista al que un accidente ha postrado en un tedioso reposo con una pierna escayolada. Presa del aburrimiento dedica su tiempo a observar a través de su ventana a los vecinos que viven en los apartamentos de enfrente.  Una noche observa comportamientos extraños en uno de sus vecinos, el señor Thorwald, y comienza a sospechar que éste podría haber asesinado a su mujer.
    Stella es la fiel enfermera que asiste a Jeff durante su particular arresto casero.
    Lisa  es una hermosa e inteligente mujer que ejerce como modelo de alta costura y de novia del fotógrafo. Cada noche acude a su apartamento a visitarlo y a ejercer de la esposa en la que espera convertirse algún día. 
     Thomas es un detective y viejo amigo del protagonista.
     En un primer momento Stella, Lisa y Thomas se muestran escépticos hacia las acusaciones que Jeff vuelca sobre su vecino, pero pronto caerán presas de la curiosidad y comenzarán una investigación que les llevará a descubrir lo ocurrido en el apartamento de enfrente.

    "La ventana indiscreta" es una adaptación de John Michael Hayes, guionista habitual de Hitchcock, de una historia de 1942 del escritor estadounidense de novelas policíacas y de misterio Cornell Woolrich. 

   Como protagonista masculino el director apostará por James Stewart (Jeff), con quien había trabajado previamente protagonizado "La soga"("Rope" 1948). Contará igualmente con la maravillosa y veterana Thelma Ritter (Stella) y con Wendel Corey (Thomas).  El papel de la protagonista femenina será encarnado por su recién estrenada musa, la bellísima Grace Kelly, quien tras la traumática marcha de Ingrid Bergman, deslumbrará al director británico habiendo protagonizado su anterior película "Crimen Perfecto"("Dial M for a Murder" 1954).

    
     Como curiosidad, se cuenta que eligió para hacer del sospechoso vecino al actor Raymond Burr, por el gran parecido físico que guardaba con David O. Selznick, al que Hitchcock no podía soportar tras su controladora labor durante el tiempo en el que previamente habían trabajado juntos.

    La película se rodó íntegramente en un plató de los estudios de la Paramont. Para ello se construyó uno de los mayores escenarios  creados hasta el momento y que reproduce el patio neoyorquino y los treinta y dos apartamentos que conforman el vecindario. 

   La acción tiene lugar durante cuatro días en el piso de soltero de Jeff, un claustrofóbico espacio que sirve de telón de fondo para que bajo la mirada "voyeur" de los principales protagonistas, se vayan mostrando diversas acciones paralelas que tienen lugar en los apartamentos cercanos. Así, en pequeños microescenarios van apareciendo los otros protagonistas, los vecinos:  la escultora, los recién casados, el pianista, la pareja con el perro, la bailarina, la señorita "corazón solitario" y como no los señores Thorwald. Se trata éste, de un brillantísimo recurso narrativo y una exposición magistral de las capacidades del director. Gracias al calor, todas las ventanas permanecen abiertas, lo que nos permite convertirnos en mirones y es que al igual que Jeff  permanece enganchado a la contemplación de sus vecinos, nosotros lo hacemos de la pantalla.

    La película da comienzo con un plano secuencia en la que la cámara hace un giro de trescientos sesenta grados en el que ésta sale por la ventana del piso de Jeff,  nos muestra el bloque de viviendas y a los vecinos a los que observa. A continuación se introduce de nuevo en el interior donde con una serie de recursos visuales tales como una cámara rota, una fotografía de un vehículo que se estrella contra una cámara, y un garabato en su pierna escayolada("Aquí yacen los maltrechos huesos de L.B.Jefferies"), nos presenta de forma inteligente al personaje y sus circunstancias y la vista panorámica que tiene desde su casa. Todo ello sin decir una sola palabra, y es que durante toda la narración es sorprendente como el director nos va introduciendo información jugando con las conversaciones, de una forma casi inconsciente vamos familiarizándonos con cada uno de ellos, conociendo  poco a poco mas y mas.

     La cámara permanecerá así moviéndose en todo momento por el interior del piso de Jeff, un escenario de una atmósfera lúgubre y opresiva, que sólo desaparece cada vez que Lisa aparece en escena. Y es que Grace Kelly llena el espacio con su presencia, lo llena de luz con su profunda mirada, con cada gesto o cada movimiento. 
   Parte del mérito de estas apariciones viene de la mano del magnífico vestuario que Edith Head diseña para ella. La modelo ejerce de modelo desfilando a lo largo de las dos horas del film, mostrándonos un impresionante catálogo de las creaciones de la mujer más oscarizada de la historia de Hollywood. Y es que la señorita Head, fue nominada al Oscar a mejor vestuario en 35 ocasiones, siendo galardonada con 8 de las preciadas estatuillas. Curiosamente no será por ésta película por la que recibiría una de ellas.

         "Quien ve en este film sólo una diversión, se parece mucho al protagonista, que se contenta con observar la vida de los demás, desde lejos, para evitar examinar la suya propia."

                                                                                                       A.Hitchcock

   Tras leer esta afirmación, intuimos que el genio del suspense guarda algo más bajo la manga. "MacGuffin" fué el término con el que el director se excusaba tras el posible asesinato de la señora Thorwald para contarnos la propia historia del fotógrafo. Un hombre enamorado de su trabajo y de su libertad y a su vez, de una perfecta mujer que anhela el matrimonio y una vida a lque él no está dispuesto a someterse y  buscando así distracción inmiscuyéndose en las vidas ajenas. Por ello Hitchcock nos somete a continuas insinuaciones, diálogos con dobles sentidos y nos presenta diferentes prototipos femeninos como son la bella y promiscua bailarina, la mujer solitaria o la casada controladora y mandona. 

   La relación entre Jeff y Lisa es realmente cautivadora, siendo la complicidad que se establece entre ellos en cada escena gran culpable de la magia que proyecta esta película.

   El ritmo pausado del que el director dota a la película y la distancia con la que se desarrolla la intriga hace que el suspense se dosifique de forma progresiva, con un sorprendente final donde, por otra parte, llama poderosamente la atención el gusto del director por colgar a sus protagonistas masculinos de las alturas. En este caso estableciendo un castigo y una crítica moralista hacia el trabajo que desempeña la prensa.


    Otro de los aspectos mas notables será la banda sonora. La música original estará compuesta por Franz Waxman, pero además estará acompañada por numerosos clásicos de la época como "Mona Lisa"  o "That´s amore"  y por infinidad de sonidos que dotan de vida al vecindario: gatos, coches, risas, teléfonos, etc. y que le valieron una nominación al Oscar al mejor sonido. Además la película estaría nominada al mejor guión, director y mejor fotografía en color.

   Como en otras tantas de sus películas, Hitchcock aparece haciendo un pequeño cameo, por supuesto no diremos donde; así que para los que no hayan visto esta gran obra imprescindible del cine, espero que junto a todo lo anterior dicho, ésto sirva como pretexto para verla y aquellos que lo hayan hecho, para disfrutar viéndola otra vez .
  
  Para su visionado contamos con una edición restaurada en DVD al que como es de costumbre acompañas algunos extras.

                                                                                   Carlota García Fernández.



 

El niño de la bicicleta

El niño de la bicicleta

En esta ocasión vamos a hablar de una película europea, en concreto de una película Belga, se trata de "El niño de la bicicleta" (Le gamin au vélo). Esta película del 2011, fue dirigida por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, consiguiendo en el Festival de Cannes de ese año el Gran Premio del Jurado Ex-aequo con la película "Erase una vez en Anatolia" (Bir Zamanlar Anadolu'da,2011), dirigida por Nuri Bilge Ceylan.

Narra la historia de Cyril un niño que vive en un centro de acogida y que intenta recuperar a su padre, el cual ha desaparecido del piso donde vivía, y a su bicicleta que guardaba el padre en el piso. En ese momento aparece Samantha, una mujer que se dedicará a ayudar al niño con todas sus fuerzas sin mirar en las consecuencias que tendrá para ella la entrada en su vida de Cyril.

La película es realmente interesante por varias razones, una de ellas es que siendo un tema muy dramático, los directores consiguen una película sin sentimentalismos baratos (lo cual sería lo más fácil) mostrando como se van sucediendo los hechos con mucha clase y un estilo aséptico y directo. A ésto ayuda mucho las estupendas interpretaciones tanto del niño Cyril (Thomas Doret) como de Samantha (Cecile de France) los cuales imprimen una gran fuerza a sus respectivos trabajos siempre dentro de la frialdad presente en toda la película.

Se trata de la novena película dirigida por esta pareja de hermanos belgas los cuales son especialistas en películas dramáticas, de contenido social y en algunos casos bastante sórdidas. Otras películas interesantes de su filmografía son "El silencio deLorna" (Le silence de Lorna, 2008) y "El hijo" (Le fils, 2002). En la película que nos ocupa han querido suavizar la historia dramática de Cyril con el personaje de Samantha la cual se convierte en una especie de hada madrina del niño (no puedo contar más sin desvelar parte de la película).

Otro aspecto destacable de la película es el uso de unos emplazamientos que se repiten varias veces y que tienen gran importancia en lo que va sucediendo  en la trama, como son la gasolinera, el restaurante donde trabaja el padre y sobre todo el pequeño bosque donde acontecen sucesos que cambiarán la forma de actuar del protagonista.

Muchas de las escenas están rodadas con la técnica de cámara en mano, lo cual ayuda a que sintamos más cercanos tanto a los personajes como las situaciones dramáticas que les acompañan, dándole a las escenas una aire semidocumental. Sin embargo no es una forma de rodar que me guste especialmente, ya que le resta armonía a la película en ese intento de hacer la historia más real rodando en plan comando.


La película tiene un ritmo lento como es habitual en el cine de los Dardenne, pero la historia es lo suficientemente interesante como para que la película no se nos haga pesada en ningún momento, de todas formas habrá gente a la que le parezca lenta y aburrida (no es mi caso). Si hay algo de lo que quizás (y remarco lo de quizás) se podría achacar a la película es su excesiva frialdad en algunos momentos de la misma, pero eso ya entra en la opinión de cada uno.


En cuanto a la posibilidad de verla, no es difícil ya que ha sido editada en España tanto en Dvd como en Blu-Ray.

En definitiva, se trata de una película muy interesante, rodada con el estilo personal de estos dos hermanos belgas, de los cuales espero que sigan haciendo en el futuro películas tan buenas como ésta.

Gabriel Menéndez Piñera

The deep blue sea

The deep blue sea

Como ya indicamos en la presentación del blog, no va a ser habitual  comentar películas que se estén estrenando ahora mismo en la cartelera, sin embargo (y aunque parezca lo contrario) nosotros también vamos a ver (aunque de forma escogida) películas que se estrenan en las salas comerciales. En esta ocasión, la película que me llamó la atención, y pude ver en el cine, es esta película inglesa "The deep blue sea", dirigida por Terence Davies.

Esta película es una adaptación de la obra del mismo título escrita por Terence Rattigan y narra el triángulo amoroso formado por un juez de la corte suprema (Simon Russell Beale), su joven y bella esposa Hester (Rachel Weisz) y el amante de ésta, Freddie (Tom Hiddleston) en el Londres postbélico de principios de los años 50, en el que existía el racionamiento y gran cantidad de edificios continuaban derruidos tras el impacto de las bombas alemanas.

La película comienza con el intento de suicidio de la protagonista, el cual es abortado por la casera del piso donde vive con su amante, tras haber abandonado a su marido. A partir de ese primer momento empieza lo mejor de la película y por lo que merece la pena realmente gastarse el dinero de la entrada, ya que durante los diez minutos que dura el segundo movimiento del concierto para violín de Barber no se va a escuchar el diálogo de los personajes (el cual queda en segundo término), si no que se va a escuchar esta maravillosa pieza clásica, mientras mediante imágenes en flashback, se nos muestra el inicio de la relación entre los dos amantes. Tras estos maravillosos minutos, en los que te quedas pegado a la silla y notas como la emoción lucha por salir de tu cuerpo, comienza el drama ya que Hester ha salido de un matrimonio seguro, pero aburrido para caer en una relación con un hombre que no sabe amar y que además es un inútil total, pero al que ama profundamente. De esta situación viene el título, el cual es una abreviatura de un dicho inglés cuya versión completa es "Between de devil and the deep blue sea" (Entre el diablo y el océano), cuya libre traducción al español sería "Entre la espada y la pared".

La protagonista de la cinta, aparte de la música, es Rachel Weisz la cual hace una interpretación realmente formidable, recayendo sobre ella todo el peso de la película y destacando sobremanera sobre el resto del reparto, especialmente si comparamos su trabajo con el de sus dos partenaires masculinos. Si hay que ponerle algún pero a su actuación es que en algunas escenas en las que quiere mostrar la sorpresa y/o admiración que siente hacia su joven amante cae en la sobreactuación, pero no es óbice para remarcar una actuación sobresaliente.

Otro aspecto realmente destacable es la labor del director de fotografía Florian Hoffmeister a base de colores cálidos y mediante haces de luces muy remarcados. En esta labor se nota la influencia del pintor Vermeer, el cual según confiesa el propio director de la película, es uno de los pintores favoritos de Davies.

En cuanto al tema de la película, éste es claro, se trata del amor, del amor no correspondido y como lleva a la desesperación y al suicidio. Hay una frase en la película que muestra claramente el carácter de la protagonista cuando le dicen que "te casaste con el primero que te lo pidió y luego te fuiste con el primero que te cortejó", señalando que Hester es una persona que necesita amar y ser amada. El problema es que se casó con una persona que la ama, pero que no es apasionado como ella y posteriormente se fue con una persona apasionada, pero que no la ama.

La labor del director Terence Davies es realmente sobresaliente, aunque por supuesto, ya habréis adivinado que esta película no es una sucesión de fuegos artificiales, si no más bien todo lo contrario. El ritmo de la película es lento, parsimonioso, como era la vida en esa Inglaterra de la postguerra en la que los dos únicos entretenimientos de la clase obrera eran tomarse unas pintas en un pub o quedarse en casa escuchando la radio. Así, la cámara se mueve lentamente en travellings horizontales o se queda fija mostrándonos el rostro tremendamente expresivo de la actriz y su calvario interior. Esto es algo que considero fundamental y que, si no me equivoco, era algo que tenía en mente el director al realizar la película, es decir, remarcar la diferencia del ritmo de vida de los años 50 con el que vivimos actualmente. Esto mismo nos hace entender un poco más la actitud del personaje de Freddie, el cual constantemente se acuerda de sus días de piloto en la RAF durante la Segunda Guerra Mundial, echando de menos la emoción que suponían los combates aéreos.

Como curiosidad añadiré que hay una versión cinematográfica anterior de esta misma obra de teatro, también con el mismo título, dirigida en 1955 por Anatole Litvak y protagonizada por Vivien Leigh en el papel que ahora interpreta Rachel Weisz.

En definitiva, se trata de una película con muchas cualidades y pocos defectos, lo cual actualmente es mucho para los tiempos que corren. Espero que los que podáis verla la disfrutéis y no os quedéis con que es una película lenta, en la que apenas pasa nada, porque sí pasan cosas, y muchas, pero hay que buscarlas en el interior de la película, no en su apariencia externa.

Gabriel Menéndez Piñera

Contra la pared

   

Contra la pared

   Serán muchas las ocasiones en las que en las que, en las sucesivas entradas de este blog,  me refiera a los pasados Festivales Internacionales de Cine de Gijón. Lo haré en primer lugar, porque siendo ésta la ciudad en la que vivo y siendo obvia mi afición al séptimo arte, he acudido al mismo, fielmente, año tras año; y en segundo lugar porque gracias al brillante trabajo del equipo que hasta este año, ha dirigido Jose Luis Cienfuegos, es en éste, donde he podido descubrir grandes directores y películas, como es ésta, de la que me dispongo a hablar.

   Así, corría el 47 F.I.C.X. y el año 2009 cuando escudriñando el programa de mano, descubro que el film con el que se inaugura la edición, "Soul Kitchen", pertenece a un director alemán de ascendencia turca llamado Fatih Akin, al que además se dedica un ciclo a toda su obra. Desprovista de entradas para ese pase, opto por acercarme a la obra de este realizador de la mano de "Contra la pared", un film del 2004 laureado con el Oso de Oro a mejor película y dirección del Festival de Cine de Berlín y el Goya a la Mejor Película Europea en 2005.

    ¡Me entusiasmó! Mis vecinos de butaca y yo, siempre recordamos como tras haber finalizado la proyección, una extraña fuerza gravitatoria se apoderó de nosotros y como embargados por la emoción no podíamos despegarnos de nuestros asientos. 

  
      Una banda tradicional turca introduce cada uno de los capítulos en los que se divide la película .  Al ritmo de ésta,  se narra, como si de una tragedia moderna del mismísimo Eurípides  se tratase, la historia de Cahit Tomruk y Sibel Güner. Dos personas cuya atormentada vida les hará encontrarse en un centro psiquiátrico tras haber intentado suicidarse. 
      Cahit es un hombre de unos cuarenta, que tras haber enviudado malvive como recogevasos de un bar, presa del alcohol, las drogas y la desolación.
      Sibel es una joven de unos veinte cuyas ansias de libertad están truncadas por una familia conservadora. 

   Para ayudar a Sibel a emanciparse, Cahit accede a casarse con ella acordando convivir guardando las apariencias pero llevando vidas separadas. Pero un giro del destino hará no sólo que se enamoren sino que sus vidas tomen rumbos totalmente inesperados.

    
    
   Fatih Akim toma una anécdota autobiográfica como punto de partida para un guión que se mantendrá abierto hasta el final del rodaje. Ésto vendrá marcado tanto por  la elección de los protagonistas como por la forma elegida para el rodaje.

   La elección para papel de Cahit será sencilla, y desde el principio, Akin contará con su amigo Birol Ünel con el que ya había trabajado anteriormente. Pero la elección para el papel de Sibel hará que tanto él como los productores se embarquen en una búsqueda desesperada. Al no encontrar candidata adecuada entre las actrices profesionales se buscará entre las no profesionales. Así aparece Sibel Kekilli, una joven administrativa que finalmente se encargará de dar vida a la protagonista femenina. Como datos anecdóticos decir que la recién estrenada actriz resultaría no serlo y poco tiempo después se desvelará su adscripción al gremio en películas pornográficas y que actualmente interpreta al personaje de "Shae" en la conocida serie televisiva "Juego de tronos".

   Para filmar "Contra la pared" se optará por un rodaje cronológico, ésto facilitará a Sibel Kekilli la incursión como actriz dramática y permite que los personajes evolucionen de una forma más natural, llevando a los mismos a un final que no era el previsto en sus inicios y dotando a la película de una sólida estructura. La formación musical turca,de la que ya hemos hablado, anticipará el carácter de cada capítulo, adquiriendo diferentes matices e intensidad  a medida en que transcurren las vivencias de los protagonistas.

    El resultado es una desgarradora  e intensa historia de amor llena de dramatismo y sinceridad que mantiene al espectador en vilo durante dos horas. Un trabajo actoral impecable, hace que Sibel Kekilli y Birol Ünel empaticen con sus personajes dotándoles de tal credibilidad que en el transcurso del film llegarán a convertirse en  Sibel Güner y Cahit Tomruk . El cambio físico y emocional de los mismos se palpa en cada momento y precipita los acontecimientos. 

    Tecnicaménte correcta y con una estética un tanto underground  el director nos habla por otra parte  del choque cultural entre Alemania y Turquía y de la situación en la que viven miles de jóvenes.

    Un canto a la libertad y a como la casualidad y las decisiones conscientes e inconscientes que tomamos marcan nuestras vidas.

   En España podemos encontrarla en formato DVD, que incluye la película y diferentes extras tales como entrevista con el director, escenas eliminadas, fichas técnicas, etc.

 
     Mención aparte merece el resto de la filmografía del director, resultando imprescindibles "En julio"(Im Juli, 2000), "Solino"(2002), "Al otro lado" (Auf der anderen Seite, 2007) y la reciente "Soul Kitchen"(2009).

   
                                                                                    Carlota García Fernández.


  
    
   


    

   

Vértigo (De entre los muertos)

Vértigo (De entre los muertos)

Voy a comentar algunas cosas de esta gran película de Alfred Hitchcock, aprovechando que este mes de Agosto de 2012 ha sido elegida por la revista Sight and sound como la mejor película de todos los tiempos, desbancando de lo alto de la clasificación a "Ciudadano Kane" (Citizen Kane, 1941 Orson Welles). Según la mencionada revista han participado en la encuesta 846 personas entre críticos, académicos, distribuidores y escritores.

Nunca me han gustado estas clasificaciones y creo que para lo único que sirven es para ver si entre las más valoradas hay alguna que no haya podido ver. Es más,  estoy seguro que hay mucha gente que piensa que Vértigo no es ni siquiera la mejor película del maestro Hitchcock, lo cual no es mi caso aunque reconozco que hay otras películas de Hitchcock que me marcaron en mi infancia y eso es difícil de superar.

La historia, basada en la novela francesa D'entre les morts (escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac), es de sobra conocida. Un detective de San Francisco, John "Scottie" Ferguson sufre vértigo  por lo que se ve obligado a dimitir de la policía. Sin embargo un antiguo compañero le pide que siga a su esposa Madeleine ya que ella cree estar poseída por el espíritu de una pariente fallecida hace tiempo. Así, "Scottie" la salva en un primer intento de suicidio en la bahía de San Francisco y se enamora de ella, sin embargo a causa del vértigo que sufre no puede evitar que en un segundo intento de suicidio ella se tire de la torre de una iglesia. Debido a ello, el antiguo policía sufre una crisis nerviosa y es ingresado en una institución para enfermos mentales. Tras salir de ella, "Scottie" encuentra por la calle a una chica con un parecido asombroso con Madeleine (exceptuando el color del pelo) y decide a investigar quien es esa mujer, siendo ésta una dependienta que atiende al nombre de Judy Barton. No voy a contar más para no estropear la película al que no la haya visto.

La película fue dirigida en 1958 por Alfred Hitchcock y los dos actores protagonistas son James Stewart en el papel de "Scottie" y Kim Novak en el papel de Madeleine, ambos en estado de gracia, a pesar de que a Hitchcock nunca le convenciese la actuación de la rubia actriz (él tenía pensado para este papel a Vera Miles, la cual se quedó embarazada lo que le abrió las puertas de par en par a Kim Novak para conseguir el trabajo).



Es curioso (o quizás no tanto) que la película recibió malas críticas en el momento de su estreno, llegando algunos críticos a ensañarse duramente con ella calificándola de "disparate muy rebuscado"  y no fue hasta los años 70 que fue apreciada en su justa medida. 

Intentar explicar las virtudes de la película sin descubrir el resto del argumento me parece muy complicado, sin embargo, voy a intentar una aproximación a todo lo bueno que hay en esta película. Creo imprescindible empezar con la estructura de la película, la cual es toda ella un complejo sistema de espirales, subidas y bajadas que envuelven no sólo la acción, sino también al personaje principal y, como no, a los espectadores.
Para esta estructura que mejor decorado que la ciudad de San Francisco con sus repentinas subidas y bajadas y, lo que es más importante para el desarrollo del film, su contraste entre un reciente pasado Victoriano (lo que equivale a Romántico) y la nueva modernidad de mediados del Siglo XX.

Otro aspecto que refleja estas subidas y bajadas es el estado emocional del protagonista, el cual empieza en un estado semidepresivo por tener que dejar el cuerpo de policía, pero que tras enamorarse de Madeleine sube a un estado de euforia tras el que cae al punto más bajo de moral, llegando casi a la locura, al suicidarse Madeleine.


Así mismo, cada vez que aparece el personaje de Madeleine, el ambiente de la escena se asemeja al de un sueño, tal es el poder que esta mujer tiene sobre el personaje de "Scotty". Así mismo Hitchcock emplea magistralmente los colores en esta película así, el uso de dos colores antagonistas como son el rojo y el verde está presente en toda la película y aparecen en coches, letreros de neón, ropa, etc. sugiriéndonos una bipolaridad constante (volvemos a la estructura, arriba y abajo). Un ejemplo de ésto lo tenemos en la foto de la derecha en la que Kim Novak lleva una blusa roja mientras que James Stewart está usando un jersey verde. Además el color verde en el teatro se ha usado siempre para las apariciones fantasmales.

Los temas que trata la película son interminables, la culpa, el amor obsesivo, el tema del doble (tan próximo al cine expresionista alemán de los primeros años del siglo XX), el que ese amor obsesivo lleve al personaje principal a intentar transformar a Judy en Madeleine, todo lleva a la bipolaridad, a la pérdida de lo real, de lo tangible, en busca de algo diferente, misterioso, nuevo y a la vez viejo.

Una de las escenas más famosas de la película es cuando James Stewart intenta seguir a Kim Novak a lo alto del campanario y sufre el ataque de vértigo, el cual se nos muestra en una toma cenital de la escalera que está subiendo, con un efecto de distorsión logrado de una manera sencilla, pero increiblemente ingeniosa. Para lograr este efecto de distorsión de una manera sencilla (y sobre todo barata) Hitchcock ordenó que al rodar esa toma cenital de la escalera se usara el zoom a la vez que la cámara se alejaba físicamente del punto de partida de la toma dando lugar a la famosísima imagen distorsionada que es una de las marcas de la película.

Por supuesto no quiero acabar sin remarcar la excelente (creo que me quedo corto) banda sonora compuesta por Bernard Herrmann para la película. El compositor crea un ambiente musical mezcla de misterio, desesperación y ensueño el cual en muchas escenas sustituye a los diálogos, ya que en la película hay momentos en que los diálogos desaparecen para dar paso únicamente a las imágenes y a la música. Abajo tenéis el enlace con el tema principal de la banda sonora.
 Herrmann, fue  autor de muchas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine, pero no voy a hacer ahora una lista de ellas porque sería casi interminable, sólo voy a nombrar cuatro de ellas: "Ciudadano Kane" (Citizen Kane 1941, Orson Welles), "El fantasma y la señora Muir" (The gosht and Mrs. Muir 1947, Joseph L. Mankiewicz), "Psicosis" (Psycho 1960, Alfred Hitchcock) y "Taxi Driver" (Taxi Driver 1976, Martin Scorsese).

Hablamos ahora de la posibilidad de ver la película. En España han salido tres ediciones diferentes en Dvd, estando las tres ahora mismo descatalogadas. Sin embargo en Octubre del 2012 sale a la venta en nuestro país la edición en Blu-Ray de esta maravillosa película.

Como conclusión decir que no se si es la mejor película de la historia del cine, pero no creo que haya mucha gente que se queje de esta elección en mi opinión merecida.

Gabriel Menéndez Piñera

Tiburón

Tiburón: unas "mandíbulas" que atrapan.

     No sabría decir el número de veces que la he visto, pero lo que si se es que jamás me canso de hacerlo; y es que "Tiburón" es una de esas películas cuyo impacto permanece inalterable al paso del tiempo.

     Corría el año 1974  y un joven director salía de los estudios de la Universal cuando vió sobre una mesa varias copias de un manuscrito, pidió llevarse uno a casa que leyó ese mismo fin de semana y al lunes siguiente se presentó de nuevo en el estudio para pedir poder dirigir la película; la Universal dijo si. Desde ese momento, nunca antes la obra de un casi novel director de 26 años, Steven Spielberg,  junto a la de un novelista de segunda fila, Peter Bencheley,  habrían dado tanto que hablar y que ganar...con un presupuesto de 12 millones de dólares llegaría a recaudar la friolera de 471 millones de dólares en todo el mundo.

     La historia es ya bien conocida por todos, la población de una pequeña isla se ve aterrorizada por la presencia de un gran tiburón blanco que con 8 metros de largo y 6 toneladas de peso se ha convertido sin duda en uno más de los monstruos de la Universal.

   La película se estructura en dos partes claramente diferenciadas. En la primera de ellas se nos presenta la isla y los habitantes de Amity  y como la tranquilidad de ésta se ve enturbiada por los repentinos ataques de un pez asesino. Aparecen las figuras de los protagonistas, que se embarcarán  a la caza del temible animal, dando paso una  segunda parte donde se narran las peripecias en alta mar  para dar muerte a la bestia. Ambas transcurren a un ritmo que dosifica a la perfección el suspense y las escenas de acción y que hacen que la temática de debata entre el cine de terror y el cine de aventuras. Todo ello aderezado con unos movimientos de cámara y un montaje final que dan buena muestra del buen hacer del director.


    Un cartel que presenta al monstruo de mil dientes afilados emergiendo desde las profundidades hacia una victima que nada despreocupada, nos alerta sobre lo que nos vamos a encontrar en la pantalla. Éste, unido a una banda sonora excepcional, son dos de los factores que mas han contribuido al éxito del film y a que todos padezcamos pequeños reparos cada vez que nos metemos en el agua.

    



     El compositor encargado de la misma sería John Williams, quien con una partitura que toma de base tan "sólo" dos notas musicales, da forma con magistral virtuosismo a la que en mi opinión, es la mejor banda sonora al servicio de las imágenes y del argumento de toda la Historía del Cine, digna del mismísimo Bernard Herrmann ("Psicosis" Alfred  Hitchcock -1960) y del Oscar con la que fué galardonada.


    Fueron muchos los problemas que el director tuvo que afrontar durante el rodaje y será la maestría para la resolución de los mismos la que condicionará la forma en la que se narra la historia y su resultado final.

     El tiburón mecánico creado para dar vida al protagonista, parecía no querer colaborar con el equipo, permaneciendo mas tiempo hundido que a flote. El mal funcionamiento de "Bruce", apodo con el que el director llamaba al tiburón, hará que Spilberg haga gala de una serie de recursos narrativos,  que sin estar totalmente previstos dotarán a la película de un efectismo inesperado. Así , el tiburón no se mostrará hasta pasada una hora desde el comienzo del film, y en su lugar se optará por insinuar su  presencia mediante la inquietante banda sonora y  una serie de  movimientos de cámara que simulan las percepciones y movimientos del escualo y que hacen que el espectador vibre angustiado, identificándose con las piernas de los bañistas que se agitan frenéticas sin saber que algo les acecha.  
     
     

    

 Una vez que el tiburón aparece en escena, podemos comprobar que los efectos especiales del momento no son tan creíbles como serían deseables, mas aún vistos desde la perspectiva actual donde las imágenes digitales hacen que  el tiburón parezca una gran marioneta de cartón- piedra.  Sin embargo,  a pesar de su carácter poco realista, resulta igualmente efectivo, produciendo el pánico de todos los espectadores cada vez que aparece en escena.

     Los actores elegidos para dar caza al monstruo serán Roy Scheider, Robert Shawn y Richard Dreyfuss que darán vida al jefe de policia Brody, al pescador Quint y al oceanólogo Hooper, respectivamente. La mala relación entre  Shawn y  Dreyfuss y la afición de este último al alcohol y las drogas generará tensiones a lo largo del rodaje. Además, el diferente carácter de los tres  personajes protagonistas, dificultará la integración de los mismos a la trama . Sin embargo, el resultado será un gran trabajo interpretativo por parte del conjunto de actores,  perfectamente integrado gracias al guión de Peter Benchley y Carl Gottlieb y a la gran capacidad de Spielberg para dirigir a los mencionados  actores.

   
    Una gran película  que desde este verano cuenta ya con su edición en formato Bluray  y que bien merece que durante un par de horas, nos volvamos a dejar atrapar una vez mas por esas mandíbulas que a buen seguro, nos harán volver a hace estremecer como el primer día.

     
                                                                              Carlota García Fernández.





   
    

   
    

   

        

    

Casa de tolerancia (L'Apollonide)

Casa de tolerancia (L'Apollonide)

El pasado Viernes 24 de Agosto se estrenó en nuestro país la que en mi modesta opinión es la mejor película del 2011 y que yo tuve el placer (y nunca mejor dicho) de ver en Noviembre de 2011 en el Teatro Jovellanos, durante el pasado Festival Internacional de cine de Gijón.

Las sensaciones se agolparon en mi durante la proyección de la película, especialmente en los últimos veinte minutos durante los cuales quería, por un lado, que la película no se acabase nunca (ya que el disfrute viendo  planos y más planos maravillosos era total) y por otro lado quería que terminase, para poder partirme las manos aplaudiendo a alguien que había hecho algo que muy pocos han conseguido en los últimos años, que me emocionase en una sala de cine.

El responsable de todo esto es el director francés Bertrand Bonello, absolutamente inédito en nuestro país hasta ahora. Otras de sus películas anteriores son "El pornógrafo" (Le pornographe, 2001), "Tiresia" (Tiresia 2003) y "De la guerre" (De la guerre, 2008) la cual cuenta con un reparto excepcional formado por Asia Argento, Mathieu Amalric, Guilleaume Depardieu y Michel Piccoli. Sin embargo, en mi opinión, no se pueden comparar estas películas con L'Apollonide, siendo esta última muy superior a sus predecesoras.

El argumento de la película es muy sencillo, el director nos muestra la forma en que viven una prostitutas que trabajan de forma casi como esclavas en un burdel parisino de finales del Siglo XIX. Así, se nos muestra como llega alguna chica nueva a la que se le explican las reglas de la casa, casi como si de una carcel se tratara. Igualmente no sólo vemos a las mujeres durante la noche, en el ejercicio de su profesión (no, no voy a poner que es la más antigua del mundo, gracias) si no que también las vemos durante el día recién levantadas compartiendo los escasos bienes que tienen en propiedad.

El punto fuerte de la película está sin duda en el apartado técnico, la puesta en escena es maravillosa, con una gran profundidad de los planos que se sitúan en el salón donde se reúnen las prostitutas con los clientes dando lugar a varias escenas en un mismo plano. El director se gusta a sí mismo en este aspecto creando una serie de escenas encadenadas, formadas por travellings horizontales, que se desplazan lentamente por el salón mostrándonos lo que sucede en el mismo y reflejando una paleta amplísima de colores y una lista interminable de sensaciones.

En relación a las actrices protagonistas (los pocos personajes masculinos que aparecen en la película son los de los clientes del burdel) se puede decir que están todas a muy buen nivel, sacando adelante sus papeles con mucha naturalidad y frescura.

Un apartado curioso de la película son los dos homenajes que realiza el director a dos películas de cine mudo, estás son: "El hombre que ríe" (The man who laughs, 1928) de Paul Leni y "La muñeca" (Die puppe, 1919) de Ernst Lubitsch.

 Respecto a la primera, no voy a comentar nada sobre dicho homenaje ya que se trata de una de las tramas esenciales de la película por lo que no quiero descubriros nada al respecto, lo único que me queda la duda es si el homenaje es a la película de Paul Leni o a la novela en que está basada de Victor Hugo, ambas geniales.

 Respecto a la segunda, se trata de una escena en que uno de los clientes le solicita a una de las chicas del burdel que se comporte como un autómata, los cuales, como ya nos recordó Scorsese en su última película "La invención de Hugo", estaban de plena actualidad en esa época. Más concretamente la chica se pinta, se viste y actúa como una muñeca gigante que pudiera moverse por sí misma como sucede en la película de Lubistch en la que la protagonista se hace pasar por un autómata que representa a una novia, tras romperla sin querer. Dicho autómata lo iban a utilizar como novia para un soltero que necesita casarse para complacer a su tío y así heredar cuando éste fallezca.

Finalmente no puedo terminar este análisis de esta maravillosa película sin referirme a la música que acompaña a las imágenes. La banda sonora del film se compone de cinco composiciones del mismo director de la película; dos piezas fácilmente reconocibles de música clásica como son el concierto para piano nº 23 de Mozart y un aria de La Boheme de Puccini y tres piezas de música que resultan anacrónicas con la época en que representa la película como son "Nights in White Satin" de The Moody Blues, y dos pieza de Soul totalmente desconocidas pero maravillosas como son "Right to love you" de The Mighty Hannibal y "Bad girl" de Lee Moses.

Para finalizar, únicamente me queda por decir lo siguiente: intentar ver esta película, no va a ser fácil, ya que en la mayoría de las ciudades españolas no se ha estrenado, pero tengo la esperanza que salga en formato doméstico en nuestro país(en Alemania y Francia ya ha salido en DVD).

Gabriel Menéndez Piñera